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Georg Friedrich Händel (1685-1759).

APUNTES DE HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA
(1500-1900).

v) Georg Friedrich Händel (1685-1759).
Nació en Halle, y estudió música contra la voluntad de su padre, quien quería que fuera abogado. Su primer maestro fue Friedrich Wilhelm Zachow, organista en Halle. Al no obtener un trabajo en esta ciudad, Haendel marchó a Hamburgo ---donde compuso algunas óperas---, y luego a Italia. En Italia entró en contacto con los principales compositores del país, y estrenó algunas obras destinadas a causar buena impresión entre ellos, como, por ejemplo, la cantata “Dixit Dominus” sobre el salmo 109. Luego vuelve a Alemania, trabajando en la corte de Hannover; en 1712, abandona Hannover sin previo aviso, y se establece en Londres, ciudad que será la de su consagración definitiva.
Así como J.S. Bach aborda la composición con un criterio básicamente instrumental, podemos decir que Haendel es un compositor esencialmente vocal. Su mayor interés está en la música vocal; más aún, en la música dramática, vale decir: en la ópera y el oratorio.
Podemos dividir su carrera londinense en dos etapas: la primera, dedicada a la ópera italiana, y la segunda al oratorio. Las óperas de Haendel siguen el canon establecido en el siglo XVII por maestros como Alessandro Scarlatti: obertura, alternancia entre recitativos y arias, y un coro final; a veces se intercala música de ballet. El valor de estas obras no reside en una estructura novedosa, sino en la belleza de las melodías, en la fina instrumentación y, sobre todo, en el gran refinamiento vocal, en todo lo cual Haendel supera ampliamente a cualquiera de los italianos. (De hecho, Haendel, “el sajón”, es el mejor representante de la escuela italiana.) El carácter aristocrático del Barroco encuentra aquí su mejor expresión.
Sus óperas más conocidas son: “Julio César”, la más conocida --- que a la belleza de su música une el interés histórico--- , “Sosarmes”, “Rodelinda”, “Jerjes” y, por último, “Alcina”, la más mágica ---no por ser su protagonista una maga, sino sino por el carácter etéreo de la música---.
Cuando el público inglés comenzó a perder el interés por la ópera italiana, Haendel, con gran astucia comercial ---hay que hacer notar que él era su propio empresario---, derivó hacia el oratorio, en lengua inglesa y sobre temas bíblicos. Aquí se observan las mismas cualidades que en sus óperas, pero en un contexto más austero.
Los principales oratorios son:
i) “La Resurrección”, oratorio italiano de 1708;
ii) “El Mesías”, su primer gran éxito, con textos bíblicos, principalmente de Isaías y de san Pablo; es una obra de orquestación discreta--- casi exclusivamente cuerdas--- , que ha eclipsado injustamente a las demás del género ; iii) “Israel en Egipto”, con un predominio aplastante del coro, que representa al pueblo israelita ; aquí también el texto es bíblico, del Exodo y Deuteronomio; iv) “Sansón”, “Saúl”, “Baltasar”---una de sus mejores obras---, “Judas Macabeo”, “Josué”, “Susana”, “Salomón”, “Teodora”---obra de gran delicadeza, inspirada en el martirologio cristiano---, y “Jefté”.
Otras obras extensas, mal llamadas oratorios --- debería llamárseles más bien cantatas--- son: “Apolo y Dafne” (en italiano), “Acis y Galatea” (en inglés), “Semele”, “L’allegro ed il pensieroso” (sobre textos de Milton), “El festín de Alejandro”---obra vigorosa, de fuertes contrastes---, y la “Oda a Santa Cecilia”, que contiene referencias a la obra de Purcell del mismo título ---especialmente el aria de tenor con trompeta obbligata---.
La producción instrumental de Haendel es menor en cantidad y en importancia. Lo principal de ella es: quince sonatas (opus 1) para flauta , nueve suites para clavecín , seis conciertos para oboe, doce concerti grossi (opus 6)---que representan la culminación del género---, doce conciertos para órgano, y las suites para gran orquesta “Música del agua” y “Música para los reales fuegos de artificio” , compuestas según el estilo de la ouverture francesa.

Fuente: APUNTES DE
HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA
(1500-1900).
Raúl A. Simón Eléxpuru 2006.

Glosario de 100 términos musicales - Sotto voce

Glosario de 100 términos musicales

Sotto voce En voz baja, casi como un susurro.
83 Tango Baile argentino, lento, en compás de 2/4.
84 Tarantela Danza napolitana de ritmo extremadamente rápido, en compás de 3/8 ó 2/8.
85 Te Deum Himno de acción de gracias. Se interpreta en circunstancias solemnes. Primeras palabras del himno
gregoriano, de donde coge su nombre, también conocido como Himno Ambrosiano.
M. A. Charpentier: Te Deum
86 Tenor Voz alta en el hombre.
87 Timbre Característica que permite identificar al emisor de un sonido.
88 Travestido En la ópera, personaje masculino representado por una mujer vestida de hombre. W. A. Mozart: Las bodas de Fígaro
-Cherubin-
89 Trovador Poeta y músico provenzal ( escribió en lengua de oc ) de los siglos XII y XIII.
90 Tutti Todos ( concierto grosso ).
91 Unísono Un solo sonido.
Ut Nombre que Guido D'Arezzo dió a la que hoy es la nota Do. Se usa todavía en Francia.
93 Vals Baile en compás de tres tiempos. Antes se interpretaban más lentamente que en la actualidad. Los hay para bailar -Lanner, J. Strauss padre e hijo- o más bien como piezas de concierto -Weber,
Chopin, Schubert- .
J. Strauss: Vals “El Danubio azul”
94 Vibrato Vibración.
95 Vocalización Cantar pronunciando solo vocales.
96 Zapateado Danza española de origen gitano, de ritmo vivo y de compás ternario.
97 Zarabanda Antigua danza española de carácter tranquilo en 3/4.
98 Zarzuela Representación escénica típicamente española en la que se alternan fragmentos declamados y otros cantados. Su origen se remonta al comienzo del siglo XVII. La zarzuela moderna deriva, al parecer, de la tonadilla escénica.
99 Zíngara ( alla ) A la manera cíngara ( gitana ).
100 Zortzico Danza popular vasca que forma parte de la suite denominada aurresku. De ritmo vivo, su principal característica es su compás de amalgama de 5/8.

Fuente: Glosario -de- 100- términos -musicales.pdf

APUNTES DE HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA (1500-1900).

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APUNTES DE HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA
(1500-1900).

iv) Johann Sebastian Bach (1685-1750).
Este autor procedía, como sabemos, de una familia de músicos, de manera que recogió en sí mismo todo el acervo musical alemán que venía desde Schuetz por lo menos.
En su juventud fue ávido copista de partituras italianas y francesas, llegando a dominar ambos estilos; por otro lado, absorbió de su ambiente el estilo luterano de música sacra y de órgano. Su obra representa la síntesis de estilos y la mayor cumbre del Barroco, por su perfección y profundidad.
Podemos dividir su carrera, así como su obra, en tres etapas:
a) Período de Weimar, dedicado de preferencia a la música de órgano; de esta época data la famosa Tocata y Fuga en Re menor (cuya autenticidad es dudosa).
b) Período de Köthen, al servicio del duque Johann Ernst de Anhalt-Köthen; aquí predomina la música profana, preferentemente instrumental. De este período son: las cuatro suites para orquesta (existe una quinta suite, para cuerdas, que se le atribuye; pero esta atribución es dudosa); los conciertos para uno o más clavecines, para uno y para dos violines, y para flauta, violín y clave; las seis sonatas para violín y clave, las sonatas para flauta y clave, las suites “inglesas” y “francesas” para clave, etc.
c) Período de Leipzig , dedicado principalmente a componer cantatas (una a la semana) para la iglesia de Santo Tomás ; hay un total de 225 cantatas sacras para todo el año litúrgico. Seis de éstas las agrupó para formar el Oratorio de Navidad; una más constituye el Oratorio de Ascensión, y existe también el Oratorio de Pascua. Bach compuso además cuatro Pasiones, de las cuales quedan dos: una según San Mateo y una según San Juan. También datan de este período la Misa en Si Menor, obra monumental sobre el texto latino tradicional, y varias Misas Breves (sólo con Kyrie y Gloria). En
todas estas obras campea un sentimiento religioso profundo y austero. En Leipzig Bach compuso, además, sus obras instrumentales más abstractas y difíciles: las seis suites para violoncello solo ; las tres suites y tres sonatas para violín solo; “El clave bien temperado” ---conjunto de 48 preludios- y- fugas, con las cuales fijó el sistema tonal---,
“El arte de la fuga” y “La ofrenda musical” . Estas dos últimas obras constituyen su testamento musical; están escritas en partitura abierta ---sin especificar la instrumentación---, y son ejemplos insuperables del arte docto de la fuga y del arte, no menos docto, de la variación. La última de ellas está basada en un hermoso tema que le fue propuesto a Bach por el rey músico Federico II el Grande de Prusia , en la única
visita que efectuó Bach a su corte en Potsdam.
Bach representa la culminación del estilo italiano, con su carácter “concertante” y
contrapuntístico; del estilo francés, con sus danzas estilizadas y ornamentadas; y, por
último, del estilo luterano alemán, con sus corales y su general gravedad. Con él muere el
gran Barroco; sus hijos seguirán el “estilo galante”.


Fuente: APUNTES DE
HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA
(1500-1900).