Por último, los bambucos del Cauca tienen también su índole particular

 

Por último, los bambucos del Cauca tienen también su índole particular. Bien que, por desgracia, no conozco de cerca aquel paraíso donde los hombres se han acordado demasiado de Caín, he oído tocar bambucos originarios de Popayán y Cali, Palmira y Cartago que, a pesar de sus diferencias rítmicas, tiene de común cierto vigor de estilo que le es característico. El ritmo de esos bambucos es acaso el más variado y onomatópico de cuantos se conocen en Colombia. Se echa de ver en ellos que en el Valle del Cauca el artista es espontáneo, y libre en sus concepciones; el tiple y la bandola son compañeros del mulato, y suel- tan sus melodías bajo un cielo admirable y en un país de prodigiosa fecundidad y hermosura. En esos bambucos se siente el gemido del negro, antes esclavo, y el ruido de su cadena, en el trapiche; se percibe el genio imitativo del mulato, emancipado desde su juventud; se oye el grito provocador del artesano democrático; se adivina la inspiración de todo un pueblo de poetas, cuyas composiciones son amores ardientes, dramas y novelas terribles, odios que incendian y consumen, antagonismos implacables, luchas sangrientas, actos de asombroso heroísmo, locuras de ambición desenfrenada, esperanzas vehementes, aspiraciones generosas, y esfuerzos de patriotismo admirablemente varoniles.

Todos los himnos nacionales tienen alguna significación patriótica pero exclusiva; pero no así el bambuco. Siendo éste obra de todos los colombianos, en vez de ser la unidad musical de Colombia es su variedad; pero una variedad llena de armonía: es la invocación del arte bajo sus más halagüeñas formas: es el himno del amor con todas sus manifestaciones: es al mismo tiempo música, poesía, canto y baile, resumen de todas las alegrías de la juventud: es la obra múltiple del indio nativo y puro, del negro originario del Congo, del mulato americano, del patriota llanero, del mestizo de nuestros valles, y del cachaco elegantes descendiente del español conquistador. El bambuco es de todos y para todos, verdadero símbolo de nuestra democracia sentimental y turbulenta: siendo su música tan variada, no hay trovador popular que no se inspire y entusiasme con él: lo mismo sirve para el majestuoso piano que para la diminuta bandola, el violín o la flauta, y así para la guitarra, modesta compañera de las tertulias íntimas, como para el ruidoso clarinete. Ni lo desdeña la elegante señorita que reina como cantatriz en un salón, ni lo abandona en sus noches de cansancio el pobre muletero.

Como poesía rimada, le ofrecen su contingente de redondillas y seguidillas tanto el poeta literato de nuestras ciudades como el poeta popu- lar, improvisador de coplas de corrillo; y lo mismo le viene la redondilla magistral que el romance, la rima sentimental que la burlesca. Si el poeta obedece a la inspiración exclusiva de su sentimiento, compone para el bambuco tiernos trozos de seguidillas por el estilo de éste:

Dicen que no se siente

La despedida;

Dile al que te lo dijo

Que se despida ...

Si está de humor satírico, busca en su eterno tormento, la mujer, el objeto de alguna pulla como ésta:

Papeles son papeles,

Cartas son cartas;

Palabras de mujeres

Todas son falsas.

Si compone con humor festivo, dirá:

Si quieres, morena mía,

Que mi amor no te haga mal,

Cierra los ojos, diciendo:

Lo que fuere sonará.


Fuente: El Bambuco

José María Samper


PERIODO POLIFÓNICO (año 800 a 1750)

La polifonía es para la música lo que el gótico es para la arquitectura .
PERIODO POLIFÓNICO (año 800 a 1750)
Durante el último período Carolingio 71 y la temprana Edad Media, aparecen las primeras noticias sobre un primitivo canto polifónico, la aportación más importante del hombre occidental al arte de la música . Después de nueve siglos de canto monofónico, el Occidente encuentra su expresión musical más original con la polifonía, polimelodía o canto a varias voces, cuyos primeros ejemplos, sean profanos como religiosos, se manifiestan hacia finales del siglo IX y mediados del siguiente" . El concepto polifónico consiste en la manifestación simultánea de más de una línea melódica con igual o casi igual importancia .
Temprana polifonía
Las primeras expresiones de este nuevo arte, aunque muy sencillas en su inicio pero particularmente
complejas para su notación y realización toda vez que planteaban arduos problemas en la coordinación de las voces, por la carencia todavía de un sistema exacto de escritura y métrica, aparecen casi al mismo tiempo en las Islas Británicas y Flandes, región que comprendía la provincia de Artois en el norte de Francia, las provincias de Hainaut y Bravante en Bélgica, hasta las costas
del Mar del Norte .
Carlomagno se consagra emperador de Occidente en el año 800 cuando los fundamentos teóricos e ideológicos de la música eclesiástica (litúrgica) de la iglesia cristiana son todavía precarios
 Mientras tanto ya en el año 987 había tenido lugar la caída de la dinastía carolingia y el inicio de la era de los Capetos con la ascención de Hugo Capeto al trono de Francia .
 Se afirma que los celtas cataban a varias voces ya en el siglo X costumbre que probablemente adquirieron de los normandos . Otro tanto se dice inclusive de los griegos en sus expresiones populares. Lo cierto es que el gran desarrollo musical alcanzado en la región de Gales y en el norte de Inglaterra, ya en el siglo X, hace suponer que esos pueblos fueron unos de los primeros en cultivar el arte polifónico. Inclusive en diversas regiones de Africa hay ejemplos de polifonía primitiva .
Es interesante observar que el nuevo arte vocal inicia su aparición a partir del momento en que el canto monofónico alcanzó su mayor esplendor .
En los alrededores del 870, Juan Escoto (Scotus) de Erígena, filósofo y teólogo de origen irlandés, maestro de la corte de Carlos el Calvo de Francia, había publicado su obra De Divisiones Naturae (Acerca de las divisiones de la Naturaleza) en la que menciona por vez primera la existencia de una suerte de polifonía vocal que denomina Organurn, de la que no da, desafortunadamente, nin-
gún ejemplo .
A esta época, finales del siglo IX o albores del X aproximadamente, pertenece también el tratado apa-
rentemente anónimo, del siglo IX, denominado Musica Enchiriadis o Manual de nnísica" 2 , (según el historiador Roland de Candéa 3 , el nombre correcto es Enchirias de Musica) en el que se describen dos maneras de "cantar juntos", y muestra los primeros ejemplos escritos del principio polifónico conocido como organum o diafonía, entre ellos el célebre dístico : Rex Caeli Domine .
No obstante, de acuerdo con las últimas investigaciones todo parece indicar que cl principio de la
polifonía había sido, desde muchos años antes, una práctica popular, o sea que "la polifonía no es una peculiaridad exclusiva de la música occidental"x 4 . El tema todavía es motivo de discusión entre los especialistas . El propio Aristóteles observaba que los hombres y mujeres cantaban a la octava "creyendo cantar al unísono" .
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82) Atribuido, según unos al monje Huebaldo (c .840-930) autor de Hanuonica Instihrtione y según otros a Hoger de Werden (m.905) o a Otger de Sans Pons (m .940) . Tratados como Musica Enchiriadis eran destinados a estudiantes que aspiraban a tornar órdenes religiosas y no al público en general . El tipo de notación musical utilizado en dicho tratado, así como en tratados afines de la época, se denomina notación dascimm, que pese a ser una de las más antiguas de Europa era bastante
precisa en su indicación
.83)
Historia Universal de la Música, Edición Aguilar, Madrid 1981, Vol . 1,
Pág . 199 . 84) Ver, La Música n,cdieval, de John Caldwell, Alianza Editorial, Madrid
1984, Pág . 107.
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Fuente:  JAIME INGRAM JAÉN

Preludio : Forma instrumental

Preludio : Forma instrumental
El preludio, como el nombre lo indica, es una pieza de forma libre que antecede a otra, ya sea una fuga (Preludios y Fugas) una Toccata (Preludio y Toccata) o la primera danza de una Suite . Sirve también de introducción a una ópera, como en Tristán e Isolda, de Wagner. En el siglo XIX se inventó el preludio independiente, que no antecede a nada, como los 24 Preludios de Chopin o los Preludios de Rachmaninoff, Scriabin o Debussy . Todos de estructura libre .
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La paternidad del Poema Sinfónico continúa incierta entre Liszt y Berlioz . Es preciso no olvidar que el propio Beethoven había escrito ya La Batalla de Weüinston as¡ cano la Sexta Sinfonía (Pastoral) o la Sonata en re menor, conocida como La Tempestad, inspirada en la obra de Shakespeare, adelantándose a características propias del dinamismo romántico y sembrando la inquietud sobre el concepto.palabras de Cristo), Beethoven (Cristo en el Monte de los Olivos), Schubert (Lazarus), Mendelssohn (Paulus y Ellas) Berlioz (La Infancia de Cristo), Franck (Redención), Stravinsky (Edipo Rey), Honegger (El Rey David) y otros .
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Preludio Coral (ver Coral)
Rapsodia : Forma instrumental
En realidad la rapsodia no implica una estructura específica y sí un tipo de obra construida con temas diferentes, amontonados uno tras otro, libremente . En general es de carácter épico, heroico y nacionalista . Rapsodias conocidas son las de Liszt (Rapsodias Húngaras), Brahms y Gershwin (Rapsodia en blue, para piano y orquesta) . Es interesante observar que la Rapsodia en si menor para piano de Brahms responde claramente a la estructura Sonata-Allegro . En términos generales y siempre dentro de una gran libertad, las rapsodias están constituidas por dos secciones, una lenta y otra rápida .
En Liszt, por ejemplo, en sus conocidas Rapsodias Húngaras, estas secciones se denominan lascan, que significa lento, melódico, y friska, vivo, rápido, que son aires típicos de la música gitana húngara .
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Fuente: 72 - JAIME INGRAM JAÉN

Oratorio y Cantata: Formas mixtas


Oratorio y Cantata: Formas mixtas
Tanto el oratorio, la cantata y la ópera, son formas vocales congéneres de origen más o menos común . El oratorio es semejante a una ópera pero sin escenografía .
Una especie de ópera en forma de concierto (ver Opera) .
En él se sustituye la acción dramática visible por el relato de un narrador. El argumento del libreto es siempre de fondo religioso y casi siempre con pasajes tomados de las Sagradas Escrituras . Existen, desde el inicio del género, oratorios con texto en latín, para la cuaresma y oratorios en lengua vulgar. Originalmente los oratorios se diferenciaban poco de las óperas, pero a partir de 1637, aproximadamente, ambos géneros toman rumbos diferentes y hasta opuestos . La ópera se hizo cada vez más profana y realista, mientras que el oratorio fue más íntimo y más estático desde el punto de vista escénico, con temas exclusivamente religiosos y moralizantes . La forma se desarrolló mayormente en Alemania, mientras que la ópera se desarrolló particularmente en Italia des-
de su nacimiento . Fueron maestros del oratorio : Carisimi (escribió unos 17 oratorios latinos), Handel (El Mesías, Theodora, etc.), Bach (cualquiera de sus Pasiones y el Oratorio de Navidad), Haydn (La Creación, Las siete palabras de Cristo), Beethoven (Cristo en el Monte de los Olivos), Schubert (Lazarus), Mendelssohn (Paulus y Ellas) Berlioz (La Infancia de Cristo), Franck (Redención), Stravinsky (Edipo Rey), Honegger (El Rey David) y otros .

Poema Sinfónico : Forma instrumental
Composición sinfónica inspirada en una idea extra musical, como una obra literaria, un cuadro, un hecho histórico, etc., generalmente en un sólo movimiento . Es una forma musical introducida por el compositor húngaro Franz Liszt e inmediatamente adoptada por Berlioz2 , compositor francés, a mediados del siglo XIX .
Liszt escribió varios poemas sinfónicos, tales como: Tasso (basado en un poema de Byron) y Mazzepa (inspirado en un poema de Victor Hugo) . Otros poemas sinfónicos conocidos son : Las Estepas del Asia Central de Borodin ; Africa de Saint-Saéns ; Finlandia de Sibelius, Las Fuentes de Roma, de Respighi, Romeo y Julieta de Tchaikovsky . También escribieron poemas sinfónicos :
Smetana, Dvorak, Franck, Balakirev, Mussorgsky, Rimsky Korsakov, Scriabin, R . Strauss, Debussy,
Ravel, Elgar, Rachmaninoff, Villa Lobos, Ives y muchos otros .

Fuente: ORIENTACIÓN MUSICAL - 71 JAIME INGRAM JAÉN

Diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso



Diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso

Es necesario no confundir el canto litúrgico con el canto religioso o música religiosa. En efecto, se denomina canto religioso o música religiosa a las obras musicales de carácter religioso pero que no pertenecen necesariamente a la liturgia, aunque se añadan algunas veces a las funciones litúrgicas para mayor solemnidad, mientras que por canto litúrgico se entiende las distintas melodías que integran la liturgia de culto .
Canto Mozárabe, Galicano, Bizantino e Irlando Británico
Constituyen cantos litúrgicos pertenecientes al período monofónico, los siguientes : a) El Canto Mozárabe o Rito Hispánico, denominado erróneamente Canto Visigodo, el que se desarrolló en España durante la dominación musulmana o mozárabe particularmente en Aragón, Castilla y León, muy floreciente hasta el siglo XI (c. 1077) en que fue abolido para ceder su lugar a la liturgia romana con sus dos actividades fundamentales que son: los oficios 74 y la Misa . Se considera a Toledo, en
España, la capital de la liturgia mozárabe adoptada oficialmente en el año 633 . Es interesante señalar que por concesión especial de Roma, en una de las capillas de la Catedral de Toledo 75 se permite utilizar el Canto
Mozárabe en determinadas fechas del calendario litúrgico, para el cual se usan las melodías que aparecen en los libros impresos a finales del siglo XV, preparados bajo la égida del cardenal Jiménez de Cisneros . Entre los coordinadores del canto mozárabe figuran San Leandro (m .599), San Isidoro de Sevilla" (570-636) y San Ildefonso (m .667) . b) El Canto Galicano o canto de Francia, llamado también canto provenzal, que alcanza su mayor esplendor en el siglo VII . c) El Canto Bizantino,
que es el canto litúrgico original de la Iglesia Cristiana del Imperio Bizantino o Imperio de Oriente, fundado por Constantino el Grande en el año 328 y destruido en 1453 con la caída de Constantinopla . Bizancio constituyó el emporio más rico de la cultura helénica y el centro más fecundo de los nuevos conceptos cristianos hasta el advenimiento de la dinastía carolingia" . Mientras en Italia y Francia el canto litúrgico permanecía en los monasterios, en el Imperio Bizantino resplandecía por doquier, junto con el órgano, inclusive en las ceremonias civiles . La liturgia musical bizantina sobrevivió al imperio y constituye hoy día el gran patrimonio de la Iglesia Cristiana griega junto con la de los servios, albaneses, búlgaros, rumanos, turcos y rusos . d) El Canto IrlandoBritánico, derivado del canto cristiano romano, es el que se utilizaba en la Catedral de Salisbury entre el siglo XIII y XVI .
Dentro del Canto Litúrgico de la Iglesia, el más importante es el llamado Canto Gregoriano también conocido como Canto Llano que alcanzó su mayor esplendor entre los años 750 y 850 .
Cerca el siglo IX, cuando el emperador Carlomagno decretó la obligatoriedad del culto católico en todo su imperio, el canto litúrgico contó con los elementos necesarios para su efectiva difusión . No
obstante a través de los años, el pueblo, necesariamente ocupado en otros menesteres, fue alejándose de las congregaciones, perdiendo poco a poco la práctica de los cánticos, limitándose a responder sólo con un Amen o un Alleluia, quedando el resto del canto en manos del sacerdote o salmista que presidía la ceremonia . Esta disyuntiva creó la necesidad, por parte de la iglesia, de formar coros especiales que se dedicaran a cantar el repertorio necesario para las ceremonias del calendariolitúrgico, quedando los feligreses cada vez más marginados del mismo . Inclusive la constitución y forma de la sagrada Misa no fue una creación inmediata, sino que se extendió durante varios siglos hasta llegar a completarse íntegramente en el siglo X .

Fuente: MÚSICA EN EUROPA
JAIME INGRAM JAÉN

El oratorio nació en 1602 en Roma

El oratorio.
El oratorio nació en 1602 en Roma, en la Congregación del Oratorio, fundada por san Felipe Neri; en ese año se estrenó en la iglesia de esta congregación la “Rappresentatione di anima e di corpo” de Emilio del Cavaliere ---hijo de Tommaso del Cavaliere, que fuera amigo de Miguel Angel Buonarroti---.
El primer compositor que destacó en este género fue Giacomo Carissimi (1605-74), autor de oratorios con texto latino. Su obra maestra es “Jefté”; compuesto para tres solistas --- con uno de ellos (el bajo) haciendo de narrador o “Historicus”---, coro y un acompañamiento instrumental muy liviano ; es conmovedor el diálogo del imprudente caudillo con su hija, el lamento de la joven y el coro final. Otro autor italiano destacado fue A. Stradella (1645-82), cuya obra maestra es “San Juan Bautista”, de texto italiano; más adelante destacó A. Scarlatti , con “San Felipe Neri”, entre otras obras. M.A.Charpentier, discípulo de Carissimi en Roma, llevó el oratorio latino a Francia, donde no prosperó mucho.
En Alemania, el género --- ahora en lengua vernácula--- recibió nueva vida. El egregio Heinrich Schütz lo ilustró con cinco Pasiones, una Resurrección y “Las siete palabras de Cristo en la cruz” ---todos de factura austera y reconcentrada--- y una obra ingenua y encantadora: “La Natividad”. En esta última obra, Schütz utiliza recursos que en otras ocasiones no se había permitido usar: una instrumentación más rica (con violines, violas, flautas, trompetas y hasta trombones, además del órgano positivo) y verdaderas arias (tres para el Angel, una para Herodes), secciones corales breves pero floridas, y un recitado muy expresivo para el narrador. Esta obra quizá no sea la más representativa de su estilo, pero es la más amable.
El oratorio alemán culmina con las Pasiones y el Oratorio de Navidad de J.S.Bach. De estas obras maestras ya se ha dicho todo; la de San Mateo es la más compleja musicalmente.
Por otro lado, Haendel representa la culminación del oratorio en estilo italiano --- aunque su texto esté en lengua inglesa---.

Fuente:  APUNTES DE
HISTORIA DE LA MUSICA MODERNA
(1500-1900).
Raúl A. Simón Eléxpuru
2006.


La cantata

Shaanxi: Concierto de la Cantata del Río Amarillo en Yan'an


La cantata.
Este género nace en Italia como un subproducto o un sustituto de la ópera. Su estructura es la misma que la de este último género; su tema puede ser religioso o profano , y carece de representación escénica. En el siglo XVII destacaron en este género : en Italia, Alessandro Stradella (1644-82) y A. Scarlatti; en Alemania, Dietrich Buxtehude (1637- 1707)----que en éste y en otros géneros es un verdadero precursor de J.S.Bach---. En el siglo XVIII tenemos a J.S.Bach --- autor de unas 250 cantatas religiosas y unas 10 profanas---; G.F. Haendel --- cuyas obras profanas como Semele,L’allegro ed il pensieroso etc., deben considerarse en este género--- ; Georg Philip Telemann (1681-1767) --- autor a quien volveremos a encontrar, y que compuso “Las horas del día” , la “Cantata del canario”, varios Magnificat e Ino, su última obra ; y, por último, el checo Jan Dismas
Zelenka, autor de una gran seriedad, que es como el “Bach católico”.
El legado de J.S.Bach en este género es monumental, no sólo por la cantidad de obras, sino por su altísima calidad. Cada detalle de la partitura ----en el caso de las cantatas sacras- -- tiene un significado religioso preciso; la emoción ---siempre contenida--- a veces rebasa los límites de la expresividad barroca.

Fuente:   APUNTES
DE
HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA
(1500-1900).
Raúl A. Simón Eléxpuru
2006.

4º periodo: CREACIÓN

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4º periodo: CREACIÓN
Finalmente, podríamos hablar de un 4º Periodo al que llamaremos de CREACIÓN. El conocimiento musical con el que cuenta le va señalando caminos y abriéndole muy diferentes puertas creativas. Ahora no solo “manipula” sonidos convertidos en preciosas y enigmáticas melodías, sino que “funde y mezcla” ritmos y culturas de muy diferentes paisajes sonoros. Con estas acciones y otras cada vez más complejas y sofisticadas vamos viendo crecer la figura de un nuevo CREADOR. Como padres y educadores nuestra misión estará cumplida y ahora vendrá el momento de disfrutar juntos.
Coda final, a modo de síntesis
Todo suena a nuestro alrededor. La presencia de la música en la sociedad actual es innegable, como también lo es la falta de criterios de valoración sobre los niveles de CREATIVIDAD y cultura musical existente en nuestra sociedad actual, sobre todo entre los más jóvenes. Hoy casi todo se mide por varemos económicos, que no siempre, por no decir nunca, garantizan la calidad creativa de lo que las multinacionales nos imponen casi por real decreto, sobre todo a aquellas personas con poca formación musical. Por esta razón, entre otras, insistimos tanto en manifestar y defender la importancia y especial cuidado que debe presidir la formación musical y creativa de la persona desde los primeros años de vida, ya que a través de ella estaremos garantizando la educación integral del hombre de la sociedad del futuro que todos estamos necesitando.

Fuente:  PRODIEMUS
www.prodiemus.com
ISSN: 1988-2173

El “concierto solista”.

  El “concierto solista”. La invención del concerto a solo se atribuye a Torelli , quien compuso varios de ellos para violín y para trompeta...