La creatividad musical en las diferentes etapas del desarrollo

La creatividad musical en las diferentes etapas del desarrollo
Fridman (1988 p.66)13 en una de sus más importantes investigaciones demuestra que: “después de los seis meses, el bebé puede emitir respuestas de tipo musical, como resultado de un estímulo que el medio le brinde. Hasta esta fecha hemos observado como M (inicial del niño investigado), a los pocos días de nacer reacciona frente a los ruidos y a los sonidos, posteriormente, repite o imita sonidos".
Hemsy de Gainza (1998, p.79)14 afirma que: “el bebé, antes de expresarse con palabras, lo hace con sonidos; mientras comienza a ejercitar desde muy temprano el aparato de fonación, ya se encuentra archivando activamente, a través de la audición, un idioma constituido por una diversidad de fonemas y estructuras idiomáticas”. Si se nos permite una aportación personal a esta precisa experiencia, nos gustaría añadir que, como hemos visto a lo largo de estas páginas, lo primero que hace el niño antes de nacer es moverse y comunicarse con la madre a través de este maravilloso medio. Muchas de las mujeres que hemos tenido la fortuna de sentir ese extraordinario fenómeno podemos decir que, hemos vivido una experiencia de comunicación no verbal con nuestro hijo, comunicación que hemos de saber cuidar y mantener también después de su nacimiento.
5. La creatividad musical en las diferentes etapas del desarrollo
Para que este desarrollo se realice de manera cuidadosa y serena, debemos conocer y seguir de forma ordenada la evolución de los diferentes momentos o etapas por las que el niño o toda persona debe pasar hasta completar el proceso de creatividad musical, y son las siguientes Lago (2003, p.76)15:
1r periodo:  IMITACIÓN
Aparece un primer periodo que llamamos de IMITACIÓN. Como ya hemos señalado anteriormente, en todo aprendizaje aparece un primer momento o encuentro que definimos como ETAPA IMITATIVA. El eminente psiquiatra infantil Ajuriaguerra (1978, p. 41)16 decía que: "el niño desde los brazos de la madre, en contacto piel a piel con ella, se convertían para el niño en calor y voz". Desde esos preciosos momentos, hemos llamado mueca o sonrisa a lo que no era más que EL GESTO IMITATIVO del niño, reflejo de su madre o de la figura sustituta".
En los primeros momentos de su escolarización en la Guardería o Escuela Infantil (2-3 años), este primer periodo puede aparecer de una forma oscura, y vagamente diferenciada del modelo establecido, ya que el niño repite casi de forma constante los ejemplos recibidos a través de las profesoras o cuidadoras. Puede que de manera muy aislada, aparezca algún niño que nos demuestre su capacidad natural de inventar, de romper pequeños moldes más o menos establecidos, y sin saber muy bien cómo, comience a aportar algo espontáneo y distinto, es decir, algo no intelectualizado, por ejemplo un movimiento diferente, un gesto distinto, un sonido peculiar al propuesto, etc. Cuidar por parte del educador y los padres estas primeras y pequeñas iniciativas, nos acercaría a las primeras manifestaciones del niño en ir hacia lo desconocido, es decir, hacer una pequeña aportación personal dentro de las normas establecidas mediante la actividad lúdica de una canción, un movimiento, un desplazamiento, etc. A esta pequeña iniciativa le podemos comenzar a llamar IMPROVISACIÓN.


Fuente: PRODIEMUS
www.prodiemus.com

La ópera.

La ópera.
Éste constituye el género más característico del Barroco; en él confluyen el interés de esta época por el drama, por la música, por lo hierático, grandioso y espectacular.
Como sabemos, la ópera nació en Italia, sus primeros grandes representantes fueron Claudio Monteverdi, Francesco Cavalli (1602-76) y Alessandro Scarlatti; con este último, encontramos ya cristalizado el esquema estándar de la ópera italiana.
A mediados del siglo XVII --- y tras cierta resistencia--- , el género se aclimató en Francia; curiosamente, de la mano de un italiano, Lulli. Este signor Lulli, convertido en Jean-Baptiste Lully, llegó a ser dictador musical en la corte del Rey Sol, y dio a la ópera francesa su forma definitiva.
El sucesor de Lully al frente de la ópera francesa fue Jean-Philippe Rameau (1683-1764).
Nacido en Dijon, comenzó componiendo música de iglesia --- cantatas sobre los salmos--- y piezas para el clave (varios cuadernos de Pièces de Clavecin, de gran belleza y poder evocador). Al trasladarse a París, se dedicó de preferencia a la ópera, género en el cual obtuvo sus mayores éxitos. Aquí Rameau sigue el modelo dejado por Lully: un tratamiento de las voces apoyado enteramente en el recitativo (sólo de vez en cuando hay un “air”, que no es más que un arioso(*) de corta duración), y abundantes episodios de ballet intercalados.
Sus principales producciones son: Dardanus, Hyppolite et Aricie, Castor et Pollux, Zoroastre, Les indes galantes, etc. Quizá lo más notable en las óperas de Rameau sea su tratamiento de la orquesta, con gran colorido y armonías audaces, impensables en Italia.

(*) arioso: pasaje vocal algo más melódico que el recitativo, pero que no alcanza a ser un aria.

En el siglo XVIII la ópera italiana alcanza sus cotas más altas de expresividad en manos de dos autores alemanes: Johann Adolph Hasse (1699-1783) y G.F. Haendel ; este último representa la síntesis de las distintas tendencias presentes en la ópera italiana ---elegancia veneciana, sentimentalismo napolitano, solemnidad romana, etc.---incluyendo aún elementos franceses: obertura a la francesa (lento-rápido-lento) y episodios de ballet.
En la actualidad hemos perdido el interés por la ópera barroca en tanto que música dramática (debido a lo absurdo o rutinario de sus libretos) , y tendemos a escucharla más bien como música pura. Juzgada de esta manera, triunfa sobre la ópera de cualquier otro período ; si añadimos, en el caso de Haendel, su inteligente comprensión del drama musical, nos encontramos con el autor de óperas más importante entre Monteverdi y Mozart. (Quizá podríamos poner a estos tres autores como los tres grandes del género.)

Fuente: Raúl A. Simón Eléxpuru
2006.

El concerto grosso.

APUNTES DE HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA (1500-1900).

El concerto grosso.
Este género, que murió con el Barroco ---pese a ciertos intentos por revivirlo en el siglo XX---, se puede describir como “una obra para orquesta de cuerdas y bajo continuo --- cello más órgano o clavecín--- formada por al menos tres --- pero a menudo más --- movimientos, en los cuales ocasionalmente intervienen algunos instrumentos solistas”. Los solistas --- dos violines, y a veces también un violoncello--- forman el llamado “concertino”, y el grueso de la orquesta se llama “tutti”. Gran parte del encanto de esta forma musical proviene de la alternancia entre concertino y tutti (pero hay que advertir que ésta no es tan sostenida e insistente como en la forma concerto a solo , también aparecida en este período).
El concerto grosso apareció en el Barroco maduro ---1650 á 1700---, y se inició con Arcangelo Corelli (1653-1713), Giuseppe Torelli (1658-1709) y Alessandro Scarlatti (1660-1725). Corelli --- cuyo Opus 6 es referencia obligada en el género--- es el principal de estos autores (pese a lo cual, opinamos que ha sido algo sobrevalorado). La mayoría de sus concerti , sin embargo, constan de un número excesivo de movimientos muy breves y poco desarrollados (sobre todo los lentos) ; una excepción notable es el concerto Opus 6 número 6 , llamado “de Navidad”, obra maestra en el género. Torelli incluye menos movimientos y los elabora más; A. Scarlatti desarrolla poco, e introduce instrumentos de viento (flauta, trompeta).
La madurez del concerto grosso se alcanza en el Barroco tardío (1700 á 1750), con autores como Manfredini (1684-1762), Geminiani ---discípulo de Corelli--- , Vivaldi y Albinoni (quienes, aunque no cultivaron mucho el género, produjeron ejemplares notables); Johann David Heinichen (1683-1729) (cuya obra se está redescubriendo en este momento), quien también introduce flautas y oboes; Haendel –cuyo Opus 6, tan magistral como el de Corelli, constituye un homenaje a él---; Pieter Hellendaal y Pietro Locatelli , discípulo también de Corelli. Sin embargo, quizá el mejor ejemplo de concerto grosso lo constituyen los Conciertos Brandenburgueses números 3 y 6 de J.S. Bach.
En este período, lo característico del concerto grosso es el sabio tratamiento de las cuerdas, sensual unas veces (en los adagios), incisivo otras (en los allegros) ; el uso ocasional de ritmos de danza y de pasajes fugados.
La decadencia del género se produce cuando los compositores comienzan a deslizarse peligrosamente por la pendiente del sentimentalismo. Este es el caso de Francesco Antonio Bonporti (1672-1749), Baldassare Galuppi (1706-85), y Giovanni Battista Pergolesi (1710- 36). Ello es especialmente notorio en este último autor ---quien, por lo demás, posee un gran encanto en otras de sus obras, y en su Stabat Mater alcanza una expresividad de buena ley---.
Con el desarrollo de la sinfonía--- a partir de la obertura de ópera---, decayó el interés por
el concerto grosso. (Sin embargo, todavía Mozart compuso sonate da chiesa al estilo antiguo – pero con la sensibilidad moderna---.).

Fuente: Raúl A. Simón Eléxpuru
2006.

Tipos de ópera

Tipos de ópera : De acuerdo con el carácter del texto, escenografía e importancia de la partitura, las óperas pueden catalogarse como: gran ópera, ópera cómica u ópera buffa (expresión italiana)", ópera de címlri drama lírico (denominación usada por algunas óperas a mediados del siglo XIX) y ópera popular. Cuando la ópera se representa sin escenografía y sin vestuario, o sea sin actuación, se denomina ópera en forma de concierto (corresponde más o menos a una obra de teatro, cuando se lee, sin montaje escénico) .
Existen ciertas obras que por su tipo escénico es difícil definir si se trata de una Cantata, un Oratorio o una ópera propiamente dicha . Este es el caso, por ejemplo, de Carmina Burana del compositor alemán Carl Orff, mal llamada ópera, que no tiene trama en el sentido dramático, sino que está formada por una serie de himnos a manera de cuadros teatrales con 200 poemas profanos, algunos muy obscenos, dedicados a la vida, al placer, al amor y a la primavera, con texto en latín, antiguo alemán y antiguo francés . Otro tanto sucede con la bella obra, Juana de Arco en la Hoguera, del
compositor suizo Arthur Honegger, con libreto del poeta francés Paul Claudel, obra que los propios autores denominaron, oratorio dramático ; o con Persefone, de Igor Stravinsky y del poeta André Gide, descrita por sus autores como melodrama . Por último es necesario añadir que la obra llamada La ópera de Tres Centavos, tan popular, es una cruel y atinada caricatura de la ópera tradicional. Sus autores, Kurt Weill y el poeta Bertolt Brecht, ambos muy vanguardistas en sus respectivas
artes, alcanzaron un éxito muy justificado, con la obra desde su estreno en Berlín en 1928 . A finales del siglo XVIII se llamó semi ópera a un género inglés que no correspondía por entero al género .
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19) El maestro de la ópera buffa es Giovanni Batista Pergolesi . Sus dos obras maestras son, la ópera La Serva Padrona y el Stabat Mater que escribió poco antes de su precoz muerte, de inal sutil, a los 26 años . No hay que olvidar que ya en 1766 el compositor alemán J .A . Hiller (1728- 1804) había escrito su primer singspiel .
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Es preciso observar que la llamada ópera cómica, género sumamente antiguo y muy francés, es aquella en la que alternan el diálogo y la música y no necesariamente lo cómico y jocoso . La ópera llamada bufa, de raíces italianas, es jocosa y a veces grotesca . Dentro del género más popular, aunque también de origen común con la ópera, están la opereta y la zarzuela (ver Zarzuela) ésta
última de origen y tradición específicamente española .
La zarzuela y la opereta son consideradas, en general, géneros de menor calidad que la ópera, aunque hay algunas zarzuelas que están a la altura de cualquier ópera . Por último tenemos el Singspiele, una forma de comedia musical que se puso de moda a finales del siglo XVIII y se extendió durante todo el siglo romántico hasta la actualidad .

Fuente:  JAIME INGRAM JAÉN

   

Ópera o Drama con Música: Forma mixta
Se llama ópera a un tipo de drama con música en el cual todos o casi todos los personajes cantan y en el que la música constituye el principal elemento .
No obstante en la ópera entran en juego diversos componentes tales como : poesía, prosa, libreto, escenografía, vestuario, actuación, baile, etc ., además de canto y acompañamiento instrumental de gran orquesta .
Los primeros ejemplos de ópera propiamente dicha aparecen en Florencia, Italia, entre los años 1590 y 1600, aunque los elementos precursores se internan en la Edad Media . Se considera al italiano Claudio Monteverdi el primer gran compositor de óperas y quien le dio forma definitiva al nuevo género.
Componentes de la ópera
Los componentes principales de la ópera pueden resumirse en: libreto, partitura musical, cantantes
(solistas y coro), orquesta, escenografía (telones, iluminación, efectos especiales, etc .) Tanto el coro como la orquesta tienen sus respectivos directores, aunque en la representación pública es el director de orquesta quien lleva la responsabilidad de todo el espectáculo .
Libreto: El texto en prosa o en verso que se canta en la ópera se denomina libreto . Este puede ser original o sencillamente una adaptación de otra obra, sea drama o comedia, como sucede también con el cine .
Partitura : Es la parte musical que sustenta el libreto . La partitura incluye todos los componentes de la parte musical : obertura, preludio, interludio, postludio, arias, recitativos, partes corales e instrumentales, etc .
Solistas : Los cantantes que representan los papeles o roles principales se denominan solistas . Estos pueden ser: sopranos, altos, tenores, barítonos y bajos. En una época, particularmente en el temprano clasicismo los compositores, Rossini, por ejemplo, escribía la melodía de un aria, dejando al solista la libertad de adornarla, con fiorituras, como bien le convenía a su gusto y a su capacidad de voz . No obstante, ante el abuso de los cantantes, los compositores, inclusive el propio Rossini que es considerado el rey de las fiorituras, decidieron escribir sus propios adornos, lo que no es óbice para que las divas y divos, a veces hagan lo que se les antoja .
Coro: El coro de la ópera lo conforma generalmente todo el personal que está en escena, al margen de los solistas . Hay óperas como Aida de Verdi o Los Maestros Cantores de Wagner, que utilizan grandes grupos corales.
Orquesta : La orquesta es, sin lugar a dudas, el elemento más activo en el drama con música . Con su
intervención se inicia el espectáculo y sólo se interrumpe cuando cae el telón . El Director de la
orquesta es el que tiene en sus manos toda la responsabilidad musical del espectáculo en el momento
de la ejecución . Existen además el director de coro quien prepara con anterioridad los grupos corales y el director de escena que es el responsable de toda la escenificación.
Obertura o Preludio : Es la parte instrumental de la ópera que sirve para iniciar el espectáculo . En la obertura generalmente se presentan sucintamente parte de los temas principales que se utilizarán después .
Recitativo : Se denomina recitativo a un canto declamado o dialogado . El recitativo es más declamación que canto . Muy característico de las primeras óperas . Con el tiempo aparecieron varios tipos de recitativos, entre ellos el recitativo secco y el recitativo accompagnato. Por lo común se le utiliza en partes donde el texto debe ser dicho con gran claridad . Las óperas llamadas cómicas se caracterizan por los recitativos . El origen del recitativo se discute todavía, pero pareciera estar entre los compositores Peri, Caccini o Cavalieri .
Arias : Las arias son las famosas melodías, llenas de poesía y gran sentido dramático, que el compositor escribe para ciertas partes relevantes del texto . Las arias a veces adquieren tanta fama que se cantan separadamente en recitales y conciertos . Cuando éstas son escritas para dos o tres
o cuatro cantantes, o más, se denominan, dúo, trío, cuarteto o quinteto . Así, se habla, por ejemplo, del famoso Sexteto de Lucía de Lamermoor, de Donizetti. Existe también la llamada cavatina que es una breve canción o aria, sin desarrollo, llamada a veces cavaletta .

Fuente:FORMAS 0 ESTRUCTURAS DE LA MÚSICA
 - JAIME INGRAM JAÉN

Manual de Piano Y Armonía Básica TAREA

Manual de Piano
Y Armonía Básica
TAREA:
- Completar la siguiente Tabla para los Acordes Mayores.
- Tocar las secuencias siguiendo la tabla.
Tabla de Acordes Mayores
Tónica Tercera
Mayor
Quinta
Do Mi Sol
Do #
Re
Re #
Mi
Fa
Fa #
Sol
Sol #
La
La #
Si
SECUENCIAS DE ACORDES MAYORES.
1) C – F – G – F – C
2) D – G – A – G – D
3) E – A – B – A – E
4) G – C – D – C – G
5) A – D – E – D – A
6) C – A – D – G – C
7) G – B – C – D – G
8) C – F – G – A – D – G – C
Los Acordes menores
Los Acordes Menores funcionan igual que los mayores. Es decir, también tienen 3 notas: una Tónica, una Tercera (que en este caso se llama “menor”) y una Quinta “justa”.
La única diferencia que tienen éstos acordes con los Mayores, es la Tercera, la cual en vez de ser Mayor, es justamente menor.
Al igual que en los Mayores, aquí los acordes tendrán el apellido “menor”. Así, por ejemplo, tomaríamos nuestra tónica Fa, y al acorde lo llamaríamos Fa menor.
Estos acordes son mucho más tristes y oscuros en su sonido. Se combinan con los acordes Mayores para crear diferentes climas, pero también podemos encontrar canciones que sólo tengan acordes menores, aunque es más difícil.
Son usados con más frecuencia en un típico “Blues menor” o en bases de Jazz.
El método para encontrar estos acordes Menores es idéntico al de los Mayores:
1) Elegimos nuestra nota Tónica.
2) Ahora contamos, hacia arriba (de Do a Si), 3 semitonos.
Por ejemplo: Elegimos Mi como Tónica. Ahora contamos 3 semitonos hacia arriba y así llegamos a la nota Sol.
Ahora tenemos nuestra Tercera menor.
Nos falta encontrar la última nota de nuestro acorde: la Quinta.
3) Para eso, contamos 4 semitonos hacia arriba desde la Tercera, o 7 semitonos desde la Tónica.
Siguiendo con el ejemplo, contaríamos desde la nota Sol, los 4 semitonos correspondientes, hasta llegar a la nota Si.
De esa forma completamos nuestro acorde de Mi menor, el cual se forma con las notas Mi - Sol - Si. Tónica, Tercera menor y Quinta respectivamente.
Podemos generalizar este método para las 12 notas que conocemos.
LA REGLA GENERAL PARA ENCONTRAR UN ACORDE MENOR ES:
Tónica – 3 – 4 (semitonos)
Esto funciona siempre, para cualquier acorde menor que queramos encontrar, ya sea de notas blancas, o de notas negras.

TAREA:
- Completar la Tabla de Acordes menores.
- Tocar las secuencias siguiendo la tabla.
Tabla 2: Acordes menores
Tónica Tercera
menor
Quinta
Do Mi b Sol
Do #
Re
Re #
Mi
Fa
Fa #
Sol
Sol #
La
La #
Si
SECUENCIAS DE ACORDES MENORES.
1) Cm – Fm – Gm – Fm – Cm
2) Dm – Gm – Am – Gm – Dm
3) Em – Am – Bm – Am – Em
4) Gm – Cm – Dm – Cm – Gm
5) Am – Dm – Em – Dm – Am

Fuente: Manual de Piano Y Armonía Básica
Ignacio Carrera

La música clásica está viviendo una revolución.