osCurve Música

VELOCIDAD

A tempo a tpo. velocidad original del tema

Accelerando accel. aumentar de a poco la velocidad

Rallentando rall. disminuir de a poco la velocidad

Riteniendo rit. disminuir de a poco la velocidad

Ritardando ritard. disminuir de a poco la velocidad

En música clásica o en algunos casos específicos hay indicaciones que se colocan al principio del tema, arriba del primer compás, y representan el tipo de movimiento que se va a tocar, o el carácter. Algunos son los que figuran en el cuadro

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Lento movimiento muy lento

Adagio movimiento lento

Moderato movimiento de velocidad media

Allegro movimiento rápido

Presto movimiento muy rápido

Apasionatto apasionado

Con caracter con presencia

Giocoso gracioso

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El calderón es un signo que se coloca en una nota para indicar una extensión de su duración, a gusto del intérprete. Lo más común es verlo en la última nota o acorde del tema, pero si está en otro lugar, generalmente después se escribe "a tempo", para que el intérprete vuelva a la velocidad original de la pieza.

El metrónomo es un aparato que marca con exactitud la velocidad de ejecución de la pieza.

Originalmente eran aparatos mecánicos con péndulos, pero después se hicieron electrónicos.

Tiene una oscilación de tempo que va desde los 40 hasta los 208 pulsos por minuto. Por ejemplo:

70 = 70 pulsos o tiempos por minuto

120 = 120 pulsos o tiempos por minuto

En el caso de las partituras, la indicación de metrónomo está por encima del primer compás del tema, y representa generalmente la velocidad de la figura que sería la UNIDAD DE TIEMPO.

En este ejemplo, deberíamos llevar una velocidad equivalente a 60 negras por minuto

Fuente: Curso completo de Teoría de la Música

Vanesa Cordantonopulos

www.lapalanca.com

GLOSARIO DE TÉRMINOS MUSICALES

Binario

Se llama así al compás que se divide en dos partes de igual duración.

Bordón

En los instrumentos de cuerda se llama así a las cuerdas más graves, con las que se hace el bajo.

También el instrumento que toca sólo una nota o notas constantes.

Cámara

En el Barroco se llamaba así a la música destinada a ser interpretada fuera de la iglesia, y el término hace referencia a las salas en las que se interpretaba, normalmente en un palacio o en alguna residencia importante en la que existía una institución musical. Por extensión se llama música de cámara a la que está compuesta para un reducido grupo de instrumentos.

Canon

Composición musical en la que todas las voces imitan una misma melodía a diferentes intervalos de altura y tiempo.

Cantata

Del italiano “cantada”. Composición vocal con acompañamiento instrumental característica de la época barroca, formada por una sucesión de arias, recitativos y pasajes instrumentales, sobre temas tanto sacros como profanos.

Capricho

Composición musical de estilo libre que se caracteriza por un cierto alejamiento de las normas estilísticas usuales. Obras así tituladas las podemos encontrar desde finales del Renacimiento hasta nuestros días.

Castrati

Del italiano “castrados”. Niños cantores a los que se castraba antes del cambio de voz en la adolescencia para conservar su timbre de voz agudo. Estas voces permitían un registro femenino con una potencia de voz más propia de los varones. Fueron especialmente empleados en las capillas religiosas y en la ópera.

Clave

Signo que se coloca al principio del pentagrama para indicar la posición de una nota determinada.

También clavecín, clavicémbalo o cémbalo. Intrumento musical de cuerda pinzada empleado durante el Renacimiento y el Barroco, de sonoridad robusta pero que no permitía la regulación dinámica. Fue sustituído en el siglo XVIII por el pianoforte (piano).

Clavicordio

Instrumento musical de tecla empleado entre los siglos XV y XVIII. Su sonido se produce cuando al pulsar la tecla, ésta acciona una tangente o barrita de metal que golpea la cuerda, quedándose en contacto con ella hasta que se levanta la tecla. De sonoridad reducida permite, no obstante, una diferenciación dinámica entre sonidos suaves y más fuertes.

Compás

Medida que se toma como unidad para organizar los distintos valores de las figuras una composición musical, o parte de ella, en fragmentos de igual duración. Ejemplos son los compases de cuatro por cuatro, tres por cuatro o seis por ocho.

Concertino

Solista o grupo de instrumentos solistas de un concierto grosso. También intérprete primer violín de una orquesta.

Fuente: GLOSARIO DE TÉRMINOS MUSICALES

WWW.ELVIOLIN.COM

Por Yrene Echeverría

MÚSICA EN EUROPA San Ambrosio y San Gregorio

MÚSICA EN EUROPA

San Ambrosio y San Gregorio

En el siglo IV, San Ambrosio (ca.340-397), obispo de Milán, fue el primer coordinador del canto eclesiástico.

En efecto, al observar la gran confusión que había en la música sagrada de la cristiandad decidió fijar las cuatro escalas o modos que deberían usarse, a la vez que ordenó cuidadosamente el repertorio existente . Dos siglos después, según ha establecido la tradición, el Papa Gregorio Magno, (540-604) impuso una segunda reforma y llevó a cabo la clasificación definitiva del canto litúrgico"'

. Aunque estos dos nombres son los que la historia presenta como los principales organizadores del canto litúrgico medieval, -de ahí las denominaciones canto ambrosiano o milanés y canto gregoriano o eroximasntioes5r7o'n -otros padres de la iglesia que se dedicaron a la misma tarea, con igual ahínco, entre ellos : San Clemente de Alejandría, San Basilio el Grande, San Silvestre, San Efren y San Gregorio Nacianceno.

Monasterios y abadías

El medio más eficaz que utilizó la iglesia para presentar y difundir su doctrina y sus valores de civilización fue el monasterio, institución creada en el siglo VI

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56) No obstante es interesante observar lo que el historiador Josef Gelmi señala en su obra Papas, Retratos y semblanzas, Editorial Herder, Barcelona, 1986, Pág . 39, "Es ya insostenible la opinión de que Gregorio escribió también un tratado de música ni que compusiera himnos, como se afirmó más tarde . Lo que sí es posible es que hubiera fundado la Schola Cantonan romana" .

57) En los alrededores del 770, finales del siglo VIII, la expresión Canto gregoriano reemplaza el término Canto romano .

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por San Benito (480-547) de Nurcia, Italia, fundador de la Orden de los Benedictinos, conocido como "Patriarca del Monasticismo Occidental", por haber fundado las primeras órdenes monásticas en las que impuso el estudio de la música como obligación fundamental de su propia regla . San Benito creó así mismo el monasterio de Monte Casino en Italia, donde escribió, en el año 540, su célebre "regla monacal" adoptada rápidamente en toda Italia y el resto de Europa . La regla planificó las actividades diarias del monje entre el culto religioso, la meditación, el estudio y el trabajo manual, enseñando a orar y trabajar en comunidad .

De las abadías de Canterbury58 , Soissons, Fulda, Metz, SanGall fundado cerca de 62759 , Monte Cassino, Solesmes, etc., brotó, poco a poco, la teoría y estilo de interpretación del canto litúrgico .

Fuente: MÚSICA EN EUROPA

110 -JAIME INGRAM JAÉN

Manual de Piano Y Armonía Básica

Debemos recordar que todos estos intervalos se refieren a distancias. No existe intervalo

alguno si estamos parados en una nota. Existe intervalo solamente si tenemos 2 notas.

Cualquier tipo de intervalo es una forma de medida entre dos notas, al igual que usamos los centímetros para medir un objeto cualquiera, y es por eso que es fundamental conocerlos y manejarlos lo más rápido posible.

Frecuentemente nos encontraremos ante situaciones en las que tendremos que calcular

intervalos rápidamente, y una de esas situaciones es la de encontrar un acorde específico, una nota agregada, o una escala.

Los Acordes

Podemos identificar 4 tipos de acordes básicos: Mayores, Menores, Aumentados y

Disminuidos.

Veamos cada uno de ellos por separado.

Los Acordes Mayores

Los acordes Mayores se forman con 3 notas, que llamaremos (en orden de aparición):

Tónica, Tercera y Quinta.

La nota Tónica es la nota que nosotros elegimos para formar nuestro acorde. Es la raíz

del mismo, y es además la nota que le da su nombre.

Por ejemplo, elijo la nota Sol. Por lo tanto, voy a partir de Sol para encontrar las otras

dos (la tercera y la quinta) y así poder formar mi acorde Mayor. Además, ya sé que el

acorde se va a llamar “Sol”.

La Tercera es la nota que hace la diferencia entre los acordes Mayores y los Menores.

Se ubica a 4 semitonos de la Tónica, o a 2 tonos. Por ejemplo, la Tercera Mayor de Re

es Fa #.

La Quinta se llama “Quinta justa”, ya que no varía entre acordes Mayores y Menores

para una misma Tónica. Se ubica a 7 semitonos de la Tónica o a 3 semitonos de la

Tercera.

Podemos describir a los acordes Mayores como alegres, luminosos o brillantes. Éstos se

combinan con los acordes Menores, los Aumentados y los Disminuidos para formar las

canciones. Pero también podemos formar bases armónicas (canciones) solamente con

acordes Mayores. De hecho hay miles de ellas, y los ejemplos más claros los tenemos

en canciones de Los Beatles y Elvis Prestley entre otros varios.

El método para encontrar estos acordes Mayores es muy sencillo y lo podemos ver en 3

pasos:

1) Elegimos nuestra nota Tónica. (Por ejemplo Do).

2) Ahora contamos, hacia arriba (de Do hacia Si), 4 semitonos (o 2 tonos) y así llegamos a nuestra Tercera Mayor. No olvidemos que la nota tónica, que es donde estamos parados, es el punto cero. Las distancias (tonos o semitonos) son las que marcan los números a contar, y no las notas en sí mismas.

Ahora tenemos nuestra Tercera Mayor (que es, extrañamente, la segunda nota

del acorde).

Nos falta encontrar la última nota de nuestro acorde: la Quinta.

3) Para eso, contamos 3 semitonos hacia arriba desde la Tercera, o 7 semitonos

desde la Tónica, y así llegamos a la Quinta.

Siguiendo con el ejemplo, contaríamos desde la nota Mi, los 3 semitonos correspondientes, hasta llegar a la nota Sol.

De esa forma completamos nuestro acorde de Do Mayor, el cual se forma con las

notas Do - Mi - Sol. Tónica, Tercera Mayor y Quinta respectivamente.

Podemos generalizar este método para las 12 notas que conocemos.

LA REGLA GENERAL PARA ENCONTRAR UN ACORDE MAYOR ES:

Tónica – 4 – 3 (semitonos).

Esto funciona siempre, para cualquier acorde mayor que queramos encontrar, ya sea de

notas blancas, o de notas negras.

Fuente: Manual de Piano

Y Armonía Básica

Persuasiones y disuasiones: oferta y problemas de la semiótica de la música

Una de las características de las diversas semióticas de la música, es que se trata de teorías musicales comprensivas. Esto quiere decir que no se detienen en la teorización de parámetros aislados de la estructura musical (melodía, ritmo, armonía, timbre, etc.), sino que desarrollan un complejo discurso con dimensiones tanto estéticas como técnicas, haciendo explicito una concepción de música en la que la significación cobra un papel fundamental. De este modo, además de métodos de análisis musical, las teorías semióticas de la música ofrecen una rica batería de reflexiones de naturaleza estética sobre uno de los problemas más insondables de la filosofía de la música: el del significado de la música. De hecho, en mi opinión, el aporte de las diferentes teorías semióticas de la música es mayor en el ámbito de la reflexión estética que en el de la metodología analítica. Sin embargo, actualmente muchas de sus técnicas analíticas están en constante revaloración.

El principal problema de las teorías semióticas de la música es su complejidad e inaccesibilidad. El estudio de la significación es una empresa desmesurada que requiere construcciones abstractas y complejas. El lenguaje semiótico es complicado y requiere de bastante experiencia para ser manejado con soltura. La multiplicación y proliferación de la comunidad de investigadores que se fundamentan en bases teóricas muy distintas hace que la terminología semiótica padezca de sinonimia y, más comúnmente, de hipertrofia. La primera se refiere a que diversos autores otorgan nombres distintos al mismo fenómeno; la segunda a que el mismo término designa cosas distintas para autores diferentes.

Por otro lado, la cualidad y cantidad de trabajos especializados desarrollados en los últimos años hacen que los miembros de la comunidad se concentren demasiado en discusiones específicas relegando a segundo plano el trabajo de divulgación. La comunidad de semióticos de la música es tan singular, que muchas veces resulta muy difícil convencer de sus puntos de vista a estudiosos que pertenecen a otras comunidades. El de la significación es un fenómeno sumamente general y cotidiano pero al mismo tiempo (y quizá por ello) muy difícil de formalizar para su estudio. De este modo, mucha de la investigación semiótico-musical produce resultados que parecen o bien sumamente obvios o bien sumamente difíciles de comprender o incluso de aceptar. Y para llegar a ellos hay que leer un discurso a veces tortuoso.

Fuente: Semiótica, semiótica de la música y semiótica cognitivoenactiva de la música

Notas para un manual de usuario.

Rubén López Cano

lopezcano@yahoo.com,

www.lopezcano.net

Escola Superior de Música de Catalunya

Glosario

FUENTE SONORA: cualquier cuerpo o fenómeno que produce uno o

varios sonidos.

INTENSIDAD: cualidad de la sensación sonora cuando un sonido es más

fuerte o más débil que otro. Se refiere al volumen o fuerza de un sonido.

Depende principalmente de la amplitud del movimiento vibratorio que

origina el sonido.

INTERVALO: diferencia de altura entre dos notas. Para encontrar el

intervalo entre dos sonidos se cuenta el número de notas de la escala

diatónica que los separan.

MELODÍA: serie de notas únicas con un modelo reconocible.

NOMENCLATURA DE NOTAS: Las letras del alfabeto para nombrar las

notas musicales son convenciones sugeridas por la Asociación de

Estándares de Estados Unidos4.

REGISTRO: altura en la que se encuentra la tesitura de una voz o

instrumento: Soprano, contralto, tenor, bajo.

RESONANCIA: cualidad de un sistema capaz de vibrar a igual frecuencia

de otro.

TIMBRE: cualidad de la sensación sonora que permite establecer la

proveniencia de los diferentes sonidos y ruidos. Lo caracteriza y lo

diferencia de otro. Los sonidos producidos por un mismo instrumento,

4 Dentro del contenido de este informe se utilizará la nomenclatura DO-RE-MI-FA-SOLLA-

SI-DO y dentro de las tablas, la nomenclatura C-D-E-F-G-A-B.

tienen un timbre igual o similar, cualquiera sea su altura e intensidad.

En este caso, dos sonidos ejecutados por instrumentos distintos serán

inconfundibles, pues su timbre será diferente.

TONALIDAD: relación con una tónica o nota eje de un sistema armónico.

Orden de las alteraciones en las escalas.

Ej. Podemos entender a la tonalidad como el eje de gravedad que

domina a la pieza. Si una obra se encuentra en la tonalidad de MI

mayor, la escala en la que se mueven las voces poseen las

alteraciones de la armadura de MI mayor. Si se quiere conseguir un

estado de reposo dentro de la pieza, solo podrá lograrse ejecutando

el acorde de MI mayor, pues todos los demás dan sensación de

movimiento armónico.

VOLUMEN: Sensación que aumenta al aumentar la amplitud y disminuye

al crecer la frecuencia.

Ej. Una nota de flautín parece tener menos "volumen", menos cuerpo,

que una nota de contrabajo de la misma intensidad; al aumentar la

intensidad de los sonidos emitidos por un instrumento, parece

aumentar su volumen.

Fuente: 2 ORQUESTA SINFÓNICA DEL INSTITUTO POLITÉCNICO NACIONAL. Glosario de términos musicales. <www.orquestasinfonica.ipn.mx/glosario.html>

3 ENTREVISTA con Luis Jaime Ángel, Ingeniero de sonido. Georgia State University. 7 de Junio de 2006

Curso completo de Teoría de la Música

SIGNO DA CAPO: DC

Está escrito en italiano. Significa "desde el comienzo", e indica una repetición total de la pieza.

Cumple la misma función que la barra de repetición. Cuando está asociado con la indicación "al Fine", hay que repetir desde el comienzo y terminar donde se coloque "Fine".

EL SIGNO

Es un signo (segno en italiano) que marca un punto de referencia en la repetición. Se puede indicar "al segno", "al segno y fin" o "DS al fine" (desde el segno al fine). Cuando se llega al final del tema y se encuentra esta indicación, la repetición se deberá hacer siempre desde el signo. Si no hay otra especificación, se termina al llegar al último compás. Si a la indicación lleva "Fine", se terminará en el compás que tenga el "Fine".

CODA

Es otro signo que indica una referencia. Se lo puede ver como "DC al coda" (Da capo al coda) o "DS al coda" (desde el signo a la coda). Significa que después de la repetición, que puede ser desde el comienzo en el caso de "DC al coda", o desde el signo si aparece "DS al coda", se busca el primer símbolo de coda para saltar al segundo, que estará siempre después del lugar donde se indicó la repetición.

REPETICIÓN DEL COMPÁS ANTERIOR

Estos signos evitan tener que volver a escribir el o los compases anteriores.

SIGNOS DE EXPRESIÓN

Los signos de expresión se utilizan para especificar las diferentes formas de tocar una nota o una frase musical. Pueden ser palabras, en italiano generalmente, o signos.

Hay signos de expresión que se refieren a la intensidad de sonidos o de frases: son los llamados matices. Hay otros que se refieren a la forma de ejecutarlos: son los que forman la dinámica o la articulación de la ejecución. Y hay otros que indican la velocidad del tema o del pasaje en el cual se encuentran: son las indicaciones de velocidad y el metrónomo.

MATICES

Pianissimo pp muy suave

Piano p suave

Mezzo piano mp medio suave

Mezzo forte mf medio fuerte

Forte f fuerte

Fortissimo ff muy fuerte

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Forte piano fp fuerte y después suave

Crescendo cresc. aumentando poco a poco la intensidad

Decrescendo decresc. disminuyendo poco a poco la intensidad

Diminuendo dim. disminuyendo poco a poco la intensidad

Piano forte pf suave y después fuerte

Hay dos signos que indican el aumento o la disminución progresiva del sonido; cumplen la misma función que el "crescendo", el "decrescendo" o el "diminuendo".

ARTICULACIÓN

Staccato o picado acorta la duración de cada nota

Legato o ligado se tocan todas las notas unidas

Portato se destaca la nota apoyándose en ella

Acentuado se destaca la nota que lleva el acento

Hay varias formas de indicar acentos. En el último compás del ejemplo hay dos tipos: el primer signo es el más usado, y el segundo es un acento más marcado y seco que el anterior.

La ligadura es similar a la ligadura de valor (ver ligadura en NIVEL I), pero en este caso se la llama ligadura de expresión, y puede encerrar notas de distintos sonidos y alturas.

Los signos de dinámica también pueden combinarse entre sí para remarcar un toque específico.