El “concierto solista”.

 

El “concierto solista”.

La invención del concerto a solo se atribuye a Torelli , quien compuso varios de ellos para violín y para trompeta; la perfección del género en Italia se alcanzó con Vivaldi y con Tommaso Albinoni (1671-1750). Este último es autor de un incisivo uso del contrapunto y de un gran refinamiento melódico y expresivo, especialmente en sus conciertos para oboe (su rivalidad con Vivaldi fue notoria).

J.S. Bach en su juventud estudió acuciosamente a los italianos, copiando sus partituras y transcribiéndolas para teclado (órgano y clavecín) . Sin embargo, son sus propios conciertos ---para clave, para violín y los cinco brandenburgueses (exceptuando el 3 y el 6, que son concerti grossi) los que constituyen la cima de este género.

También destacó en esta forma musical Telemann, quien utilizó todas las combinaciones de instrumentos solistas; el más bello de sus conciertos es el de viola, en cuatro movimientos.

En Francia, el violinista y compositor Jean-Marie Leclair (1697-1764) adoptó este género italiano con bastante buen resultado; también lo hizo Michel Corrette (1709-95), gran plagiario (convirtió en cantata “Las cuatro estaciones “ de Vivaldi; es decir, les “puso letra” a los cuatro conciertos).

Fuente: APUNTES DE

HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA

(1500-1900).

Raúl A. Simón Eléxpuru

2006.

Dueto Primavera -La Loca Margarita-


 

Dueto Primavera -La Loca Margarita-

Dueto Primavera, dúo vocal (Colombia) Este dueto nace de una familia boyacense con una inmensa tradición musical que busca rescatar los ritmos, autores y compositores andinos colombianos como también dos formatos tradicionales del folclor: el dueto vocal y el trío típico instrumental (bandola tiple y guitarra). Los arreglos instrumentales y vocales son realizados por los maestros Luis Carlos Saboya, Daniel Saboya y Fernando "el chino" León. Fuente: https://babel.banrepcultural.org/digi...

Rondó : Forma instrumental

 Rondó : Forma instrumental Es un tipo de composición en el que un tema o refrán se repite a intervalos determinados . Esta forma de riva de la poética puramente instrumental del siglo XVIII que se puede expresar en el esquema siguiente : A B A C A B A etc., representando A el tema o refrán, que se repite, y B o C, las coplas que se intercalan entre un refrán y otro . Beethoven fue el gran maestro del Rondó y ejemplos de ellos los encontramos en profusión en sus Sonatas y Conciertos, como por ejemplo el último movimiento de la conocida Sonata para piano, llamada Patética (Sonata N° 8, en do menor, Op . 13) o en el último movimiento del Concierto para violín y orquesta .


Fuente:  JAIME INGRAM JAÉN

Otro sistema es buscar el quinto grado del tono mayor

 Otro sistema es buscar el quinto grado del tono mayor, y observar si está ascendido medio tono.

Un tema sin alteraciones podría estar en DO mayor o en LA menor (son escalas relativas).

Buscamos el SOL, y si no está ascendido estaríamos en la tonalidad mayor.



En el caso de que estuviese ascendido, estaríamos en La menor, porque ese quinto grado
ascendido de la escala mayor, en realidad es el séptimo grado de la escala menor armónica.



De todas formas no hay un sistema preciso, porque pueden existir cambios de tonalidad dentro del
mismo tema, se puede pasar del tono mayor al menor, e incluir otros elementos de armonía que
nos confundan.
ESCALA PENTATÓNICA
La escala pentatónica está formada por cinco sonidos. Pueden construirse sobre cualquier modo o
escala, y pueden utilizar varias combinaciones de notas. Básicamente, de las siete notas que forman una escala, hay que suprimir dos, siempre y cuando se incluya la tónica, no se deje ningún grado aislado (por ejemplo DO - MI - SOL - LA - SI, en donde queda el MI sin tener ni el RE ni el FA como grados conjuntos), y no se omitan dos grados consecutivos (por ejemplo DO - RE - SOL - LA - SI, en donde se omiten el MI y el FA).
Hay una escala pentatónica mayor y una menor, que son las más utilizadas. La pentatónica mayor se forma utilizando el primero, el segundo, el tercero, el quinto y el sexto grado de la escala mayor de base.


La escala pentatónica menor utiliza el primero, el tercero, el cuarto, el quinto y el séptimo grado de la escala menor natural. Tiene las mismas notas de la pentatónica mayor, sólo que tiene que empezar en la tónica de escala menor.

Fuente:  Curso completo de Teoría de la Música

Vanesa Cordantonopulos

www.lapalanca.com

Por último, los bambucos del Cauca tienen también su índole particular

 

Por último, los bambucos del Cauca tienen también su índole particular. Bien que, por desgracia, no conozco de cerca aquel paraíso donde los hombres se han acordado demasiado de Caín, he oído tocar bambucos originarios de Popayán y Cali, Palmira y Cartago que, a pesar de sus diferencias rítmicas, tiene de común cierto vigor de estilo que le es característico. El ritmo de esos bambucos es acaso el más variado y onomatópico de cuantos se conocen en Colombia. Se echa de ver en ellos que en el Valle del Cauca el artista es espontáneo, y libre en sus concepciones; el tiple y la bandola son compañeros del mulato, y suel- tan sus melodías bajo un cielo admirable y en un país de prodigiosa fecundidad y hermosura. En esos bambucos se siente el gemido del negro, antes esclavo, y el ruido de su cadena, en el trapiche; se percibe el genio imitativo del mulato, emancipado desde su juventud; se oye el grito provocador del artesano democrático; se adivina la inspiración de todo un pueblo de poetas, cuyas composiciones son amores ardientes, dramas y novelas terribles, odios que incendian y consumen, antagonismos implacables, luchas sangrientas, actos de asombroso heroísmo, locuras de ambición desenfrenada, esperanzas vehementes, aspiraciones generosas, y esfuerzos de patriotismo admirablemente varoniles.

Todos los himnos nacionales tienen alguna significación patriótica pero exclusiva; pero no así el bambuco. Siendo éste obra de todos los colombianos, en vez de ser la unidad musical de Colombia es su variedad; pero una variedad llena de armonía: es la invocación del arte bajo sus más halagüeñas formas: es el himno del amor con todas sus manifestaciones: es al mismo tiempo música, poesía, canto y baile, resumen de todas las alegrías de la juventud: es la obra múltiple del indio nativo y puro, del negro originario del Congo, del mulato americano, del patriota llanero, del mestizo de nuestros valles, y del cachaco elegantes descendiente del español conquistador. El bambuco es de todos y para todos, verdadero símbolo de nuestra democracia sentimental y turbulenta: siendo su música tan variada, no hay trovador popular que no se inspire y entusiasme con él: lo mismo sirve para el majestuoso piano que para la diminuta bandola, el violín o la flauta, y así para la guitarra, modesta compañera de las tertulias íntimas, como para el ruidoso clarinete. Ni lo desdeña la elegante señorita que reina como cantatriz en un salón, ni lo abandona en sus noches de cansancio el pobre muletero.

Como poesía rimada, le ofrecen su contingente de redondillas y seguidillas tanto el poeta literato de nuestras ciudades como el poeta popu- lar, improvisador de coplas de corrillo; y lo mismo le viene la redondilla magistral que el romance, la rima sentimental que la burlesca. Si el poeta obedece a la inspiración exclusiva de su sentimiento, compone para el bambuco tiernos trozos de seguidillas por el estilo de éste:

Dicen que no se siente

La despedida;

Dile al que te lo dijo

Que se despida ...

Si está de humor satírico, busca en su eterno tormento, la mujer, el objeto de alguna pulla como ésta:

Papeles son papeles,

Cartas son cartas;

Palabras de mujeres

Todas son falsas.

Si compone con humor festivo, dirá:

Si quieres, morena mía,

Que mi amor no te haga mal,

Cierra los ojos, diciendo:

Lo que fuere sonará.


Fuente: El Bambuco

José María Samper


PERIODO POLIFÓNICO (año 800 a 1750)

La polifonía es para la música lo que el gótico es para la arquitectura .
PERIODO POLIFÓNICO (año 800 a 1750)
Durante el último período Carolingio 71 y la temprana Edad Media, aparecen las primeras noticias sobre un primitivo canto polifónico, la aportación más importante del hombre occidental al arte de la música . Después de nueve siglos de canto monofónico, el Occidente encuentra su expresión musical más original con la polifonía, polimelodía o canto a varias voces, cuyos primeros ejemplos, sean profanos como religiosos, se manifiestan hacia finales del siglo IX y mediados del siguiente" . El concepto polifónico consiste en la manifestación simultánea de más de una línea melódica con igual o casi igual importancia .
Temprana polifonía
Las primeras expresiones de este nuevo arte, aunque muy sencillas en su inicio pero particularmente
complejas para su notación y realización toda vez que planteaban arduos problemas en la coordinación de las voces, por la carencia todavía de un sistema exacto de escritura y métrica, aparecen casi al mismo tiempo en las Islas Británicas y Flandes, región que comprendía la provincia de Artois en el norte de Francia, las provincias de Hainaut y Bravante en Bélgica, hasta las costas
del Mar del Norte .
Carlomagno se consagra emperador de Occidente en el año 800 cuando los fundamentos teóricos e ideológicos de la música eclesiástica (litúrgica) de la iglesia cristiana son todavía precarios
 Mientras tanto ya en el año 987 había tenido lugar la caída de la dinastía carolingia y el inicio de la era de los Capetos con la ascención de Hugo Capeto al trono de Francia .
 Se afirma que los celtas cataban a varias voces ya en el siglo X costumbre que probablemente adquirieron de los normandos . Otro tanto se dice inclusive de los griegos en sus expresiones populares. Lo cierto es que el gran desarrollo musical alcanzado en la región de Gales y en el norte de Inglaterra, ya en el siglo X, hace suponer que esos pueblos fueron unos de los primeros en cultivar el arte polifónico. Inclusive en diversas regiones de Africa hay ejemplos de polifonía primitiva .
Es interesante observar que el nuevo arte vocal inicia su aparición a partir del momento en que el canto monofónico alcanzó su mayor esplendor .
En los alrededores del 870, Juan Escoto (Scotus) de Erígena, filósofo y teólogo de origen irlandés, maestro de la corte de Carlos el Calvo de Francia, había publicado su obra De Divisiones Naturae (Acerca de las divisiones de la Naturaleza) en la que menciona por vez primera la existencia de una suerte de polifonía vocal que denomina Organurn, de la que no da, desafortunadamente, nin-
gún ejemplo .
A esta época, finales del siglo IX o albores del X aproximadamente, pertenece también el tratado apa-
rentemente anónimo, del siglo IX, denominado Musica Enchiriadis o Manual de nnísica" 2 , (según el historiador Roland de Candéa 3 , el nombre correcto es Enchirias de Musica) en el que se describen dos maneras de "cantar juntos", y muestra los primeros ejemplos escritos del principio polifónico conocido como organum o diafonía, entre ellos el célebre dístico : Rex Caeli Domine .
No obstante, de acuerdo con las últimas investigaciones todo parece indicar que cl principio de la
polifonía había sido, desde muchos años antes, una práctica popular, o sea que "la polifonía no es una peculiaridad exclusiva de la música occidental"x 4 . El tema todavía es motivo de discusión entre los especialistas . El propio Aristóteles observaba que los hombres y mujeres cantaban a la octava "creyendo cantar al unísono" .
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82) Atribuido, según unos al monje Huebaldo (c .840-930) autor de Hanuonica Instihrtione y según otros a Hoger de Werden (m.905) o a Otger de Sans Pons (m .940) . Tratados como Musica Enchiriadis eran destinados a estudiantes que aspiraban a tornar órdenes religiosas y no al público en general . El tipo de notación musical utilizado en dicho tratado, así como en tratados afines de la época, se denomina notación dascimm, que pese a ser una de las más antiguas de Europa era bastante
precisa en su indicación
.83)
Historia Universal de la Música, Edición Aguilar, Madrid 1981, Vol . 1,
Pág . 199 . 84) Ver, La Música n,cdieval, de John Caldwell, Alianza Editorial, Madrid
1984, Pág . 107.
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Fuente:  JAIME INGRAM JAÉN

Preludio : Forma instrumental

Preludio : Forma instrumental
El preludio, como el nombre lo indica, es una pieza de forma libre que antecede a otra, ya sea una fuga (Preludios y Fugas) una Toccata (Preludio y Toccata) o la primera danza de una Suite . Sirve también de introducción a una ópera, como en Tristán e Isolda, de Wagner. En el siglo XIX se inventó el preludio independiente, que no antecede a nada, como los 24 Preludios de Chopin o los Preludios de Rachmaninoff, Scriabin o Debussy . Todos de estructura libre .
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La paternidad del Poema Sinfónico continúa incierta entre Liszt y Berlioz . Es preciso no olvidar que el propio Beethoven había escrito ya La Batalla de Weüinston as¡ cano la Sexta Sinfonía (Pastoral) o la Sonata en re menor, conocida como La Tempestad, inspirada en la obra de Shakespeare, adelantándose a características propias del dinamismo romántico y sembrando la inquietud sobre el concepto.palabras de Cristo), Beethoven (Cristo en el Monte de los Olivos), Schubert (Lazarus), Mendelssohn (Paulus y Ellas) Berlioz (La Infancia de Cristo), Franck (Redención), Stravinsky (Edipo Rey), Honegger (El Rey David) y otros .
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Preludio Coral (ver Coral)
Rapsodia : Forma instrumental
En realidad la rapsodia no implica una estructura específica y sí un tipo de obra construida con temas diferentes, amontonados uno tras otro, libremente . En general es de carácter épico, heroico y nacionalista . Rapsodias conocidas son las de Liszt (Rapsodias Húngaras), Brahms y Gershwin (Rapsodia en blue, para piano y orquesta) . Es interesante observar que la Rapsodia en si menor para piano de Brahms responde claramente a la estructura Sonata-Allegro . En términos generales y siempre dentro de una gran libertad, las rapsodias están constituidas por dos secciones, una lenta y otra rápida .
En Liszt, por ejemplo, en sus conocidas Rapsodias Húngaras, estas secciones se denominan lascan, que significa lento, melódico, y friska, vivo, rápido, que son aires típicos de la música gitana húngara .
.
Fuente: 72 - JAIME INGRAM JAÉN

Oratorio y Cantata: Formas mixtas


Oratorio y Cantata: Formas mixtas
Tanto el oratorio, la cantata y la ópera, son formas vocales congéneres de origen más o menos común . El oratorio es semejante a una ópera pero sin escenografía .
Una especie de ópera en forma de concierto (ver Opera) .
En él se sustituye la acción dramática visible por el relato de un narrador. El argumento del libreto es siempre de fondo religioso y casi siempre con pasajes tomados de las Sagradas Escrituras . Existen, desde el inicio del género, oratorios con texto en latín, para la cuaresma y oratorios en lengua vulgar. Originalmente los oratorios se diferenciaban poco de las óperas, pero a partir de 1637, aproximadamente, ambos géneros toman rumbos diferentes y hasta opuestos . La ópera se hizo cada vez más profana y realista, mientras que el oratorio fue más íntimo y más estático desde el punto de vista escénico, con temas exclusivamente religiosos y moralizantes . La forma se desarrolló mayormente en Alemania, mientras que la ópera se desarrolló particularmente en Italia des-
de su nacimiento . Fueron maestros del oratorio : Carisimi (escribió unos 17 oratorios latinos), Handel (El Mesías, Theodora, etc.), Bach (cualquiera de sus Pasiones y el Oratorio de Navidad), Haydn (La Creación, Las siete palabras de Cristo), Beethoven (Cristo en el Monte de los Olivos), Schubert (Lazarus), Mendelssohn (Paulus y Ellas) Berlioz (La Infancia de Cristo), Franck (Redención), Stravinsky (Edipo Rey), Honegger (El Rey David) y otros .

Poema Sinfónico : Forma instrumental
Composición sinfónica inspirada en una idea extra musical, como una obra literaria, un cuadro, un hecho histórico, etc., generalmente en un sólo movimiento . Es una forma musical introducida por el compositor húngaro Franz Liszt e inmediatamente adoptada por Berlioz2 , compositor francés, a mediados del siglo XIX .
Liszt escribió varios poemas sinfónicos, tales como: Tasso (basado en un poema de Byron) y Mazzepa (inspirado en un poema de Victor Hugo) . Otros poemas sinfónicos conocidos son : Las Estepas del Asia Central de Borodin ; Africa de Saint-Saéns ; Finlandia de Sibelius, Las Fuentes de Roma, de Respighi, Romeo y Julieta de Tchaikovsky . También escribieron poemas sinfónicos :
Smetana, Dvorak, Franck, Balakirev, Mussorgsky, Rimsky Korsakov, Scriabin, R . Strauss, Debussy,
Ravel, Elgar, Rachmaninoff, Villa Lobos, Ives y muchos otros .

Fuente: ORIENTACIÓN MUSICAL - 71 JAIME INGRAM JAÉN

Diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso



Diferencia entre Canto Litúrgico y Canto Religioso

Es necesario no confundir el canto litúrgico con el canto religioso o música religiosa. En efecto, se denomina canto religioso o música religiosa a las obras musicales de carácter religioso pero que no pertenecen necesariamente a la liturgia, aunque se añadan algunas veces a las funciones litúrgicas para mayor solemnidad, mientras que por canto litúrgico se entiende las distintas melodías que integran la liturgia de culto .
Canto Mozárabe, Galicano, Bizantino e Irlando Británico
Constituyen cantos litúrgicos pertenecientes al período monofónico, los siguientes : a) El Canto Mozárabe o Rito Hispánico, denominado erróneamente Canto Visigodo, el que se desarrolló en España durante la dominación musulmana o mozárabe particularmente en Aragón, Castilla y León, muy floreciente hasta el siglo XI (c. 1077) en que fue abolido para ceder su lugar a la liturgia romana con sus dos actividades fundamentales que son: los oficios 74 y la Misa . Se considera a Toledo, en
España, la capital de la liturgia mozárabe adoptada oficialmente en el año 633 . Es interesante señalar que por concesión especial de Roma, en una de las capillas de la Catedral de Toledo 75 se permite utilizar el Canto
Mozárabe en determinadas fechas del calendario litúrgico, para el cual se usan las melodías que aparecen en los libros impresos a finales del siglo XV, preparados bajo la égida del cardenal Jiménez de Cisneros . Entre los coordinadores del canto mozárabe figuran San Leandro (m .599), San Isidoro de Sevilla" (570-636) y San Ildefonso (m .667) . b) El Canto Galicano o canto de Francia, llamado también canto provenzal, que alcanza su mayor esplendor en el siglo VII . c) El Canto Bizantino,
que es el canto litúrgico original de la Iglesia Cristiana del Imperio Bizantino o Imperio de Oriente, fundado por Constantino el Grande en el año 328 y destruido en 1453 con la caída de Constantinopla . Bizancio constituyó el emporio más rico de la cultura helénica y el centro más fecundo de los nuevos conceptos cristianos hasta el advenimiento de la dinastía carolingia" . Mientras en Italia y Francia el canto litúrgico permanecía en los monasterios, en el Imperio Bizantino resplandecía por doquier, junto con el órgano, inclusive en las ceremonias civiles . La liturgia musical bizantina sobrevivió al imperio y constituye hoy día el gran patrimonio de la Iglesia Cristiana griega junto con la de los servios, albaneses, búlgaros, rumanos, turcos y rusos . d) El Canto IrlandoBritánico, derivado del canto cristiano romano, es el que se utilizaba en la Catedral de Salisbury entre el siglo XIII y XVI .
Dentro del Canto Litúrgico de la Iglesia, el más importante es el llamado Canto Gregoriano también conocido como Canto Llano que alcanzó su mayor esplendor entre los años 750 y 850 .
Cerca el siglo IX, cuando el emperador Carlomagno decretó la obligatoriedad del culto católico en todo su imperio, el canto litúrgico contó con los elementos necesarios para su efectiva difusión . No
obstante a través de los años, el pueblo, necesariamente ocupado en otros menesteres, fue alejándose de las congregaciones, perdiendo poco a poco la práctica de los cánticos, limitándose a responder sólo con un Amen o un Alleluia, quedando el resto del canto en manos del sacerdote o salmista que presidía la ceremonia . Esta disyuntiva creó la necesidad, por parte de la iglesia, de formar coros especiales que se dedicaran a cantar el repertorio necesario para las ceremonias del calendariolitúrgico, quedando los feligreses cada vez más marginados del mismo . Inclusive la constitución y forma de la sagrada Misa no fue una creación inmediata, sino que se extendió durante varios siglos hasta llegar a completarse íntegramente en el siglo X .

Fuente: MÚSICA EN EUROPA
JAIME INGRAM JAÉN

El oratorio nació en 1602 en Roma

El oratorio.
El oratorio nació en 1602 en Roma, en la Congregación del Oratorio, fundada por san Felipe Neri; en ese año se estrenó en la iglesia de esta congregación la “Rappresentatione di anima e di corpo” de Emilio del Cavaliere ---hijo de Tommaso del Cavaliere, que fuera amigo de Miguel Angel Buonarroti---.
El primer compositor que destacó en este género fue Giacomo Carissimi (1605-74), autor de oratorios con texto latino. Su obra maestra es “Jefté”; compuesto para tres solistas --- con uno de ellos (el bajo) haciendo de narrador o “Historicus”---, coro y un acompañamiento instrumental muy liviano ; es conmovedor el diálogo del imprudente caudillo con su hija, el lamento de la joven y el coro final. Otro autor italiano destacado fue A. Stradella (1645-82), cuya obra maestra es “San Juan Bautista”, de texto italiano; más adelante destacó A. Scarlatti , con “San Felipe Neri”, entre otras obras. M.A.Charpentier, discípulo de Carissimi en Roma, llevó el oratorio latino a Francia, donde no prosperó mucho.
En Alemania, el género --- ahora en lengua vernácula--- recibió nueva vida. El egregio Heinrich Schütz lo ilustró con cinco Pasiones, una Resurrección y “Las siete palabras de Cristo en la cruz” ---todos de factura austera y reconcentrada--- y una obra ingenua y encantadora: “La Natividad”. En esta última obra, Schütz utiliza recursos que en otras ocasiones no se había permitido usar: una instrumentación más rica (con violines, violas, flautas, trompetas y hasta trombones, además del órgano positivo) y verdaderas arias (tres para el Angel, una para Herodes), secciones corales breves pero floridas, y un recitado muy expresivo para el narrador. Esta obra quizá no sea la más representativa de su estilo, pero es la más amable.
El oratorio alemán culmina con las Pasiones y el Oratorio de Navidad de J.S.Bach. De estas obras maestras ya se ha dicho todo; la de San Mateo es la más compleja musicalmente.
Por otro lado, Haendel representa la culminación del oratorio en estilo italiano --- aunque su texto esté en lengua inglesa---.

Fuente:  APUNTES DE
HISTORIA DE LA MUSICA MODERNA
(1500-1900).
Raúl A. Simón Eléxpuru
2006.


La cantata

Shaanxi: Concierto de la Cantata del Río Amarillo en Yan'an


La cantata.
Este género nace en Italia como un subproducto o un sustituto de la ópera. Su estructura es la misma que la de este último género; su tema puede ser religioso o profano , y carece de representación escénica. En el siglo XVII destacaron en este género : en Italia, Alessandro Stradella (1644-82) y A. Scarlatti; en Alemania, Dietrich Buxtehude (1637- 1707)----que en éste y en otros géneros es un verdadero precursor de J.S.Bach---. En el siglo XVIII tenemos a J.S.Bach --- autor de unas 250 cantatas religiosas y unas 10 profanas---; G.F. Haendel --- cuyas obras profanas como Semele,L’allegro ed il pensieroso etc., deben considerarse en este género--- ; Georg Philip Telemann (1681-1767) --- autor a quien volveremos a encontrar, y que compuso “Las horas del día” , la “Cantata del canario”, varios Magnificat e Ino, su última obra ; y, por último, el checo Jan Dismas
Zelenka, autor de una gran seriedad, que es como el “Bach católico”.
El legado de J.S.Bach en este género es monumental, no sólo por la cantidad de obras, sino por su altísima calidad. Cada detalle de la partitura ----en el caso de las cantatas sacras- -- tiene un significado religioso preciso; la emoción ---siempre contenida--- a veces rebasa los límites de la expresividad barroca.

Fuente:   APUNTES
DE
HISTORIA DE LA MÚSICA MODERNA
(1500-1900).
Raúl A. Simón Eléxpuru
2006.

4º periodo: CREACIÓN

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4º periodo: CREACIÓN
Finalmente, podríamos hablar de un 4º Periodo al que llamaremos de CREACIÓN. El conocimiento musical con el que cuenta le va señalando caminos y abriéndole muy diferentes puertas creativas. Ahora no solo “manipula” sonidos convertidos en preciosas y enigmáticas melodías, sino que “funde y mezcla” ritmos y culturas de muy diferentes paisajes sonoros. Con estas acciones y otras cada vez más complejas y sofisticadas vamos viendo crecer la figura de un nuevo CREADOR. Como padres y educadores nuestra misión estará cumplida y ahora vendrá el momento de disfrutar juntos.
Coda final, a modo de síntesis
Todo suena a nuestro alrededor. La presencia de la música en la sociedad actual es innegable, como también lo es la falta de criterios de valoración sobre los niveles de CREATIVIDAD y cultura musical existente en nuestra sociedad actual, sobre todo entre los más jóvenes. Hoy casi todo se mide por varemos económicos, que no siempre, por no decir nunca, garantizan la calidad creativa de lo que las multinacionales nos imponen casi por real decreto, sobre todo a aquellas personas con poca formación musical. Por esta razón, entre otras, insistimos tanto en manifestar y defender la importancia y especial cuidado que debe presidir la formación musical y creativa de la persona desde los primeros años de vida, ya que a través de ella estaremos garantizando la educación integral del hombre de la sociedad del futuro que todos estamos necesitando.

Fuente:  PRODIEMUS
www.prodiemus.com
ISSN: 1988-2173

Nilton César


José Arcesio  te atiende  en Amazon:    https://www.amazon.com/shop/josearcesiogutierrezarias

Nilton César Nilton César (Ituiutaba, Minas Gerais, Brasil. 27 de junio de 1939) es un cantante brasileño. Tuvo éxito en la década de 1970 con la canción Vacaciones en la India, grabada en 1969, que vendió más de 500 mil copias y ganó inmumerables discos de oro y trofeos de aquella época. Presentado en los principales palcos del país, también participó en programas de televisión como Programa Silvio Santos y Joven Guarda. Actualmente sigue presentándose en Brasil y, principalmente, en el exterior. Principales éxitos La última canción Amor, amor, amor La enamorada que soñé Nunca más Cama separada Cerca de los ojos, lejos del corazón Yo tengo un mar de amor No me interesa Nilton Cesar nació en el municipio de Ituiutaba-Brasil . A los 17 dejó su ciudad natal en busca de su gran ideal: Ser cantante. Como estudiante en Río de Janeiro, vivió entre los libros y la música donde además participó en concursos de talentos sin conseguir buenos resultados. En 1961, por invitación de un amigo viajó a Sao Paulo donde comenzó su carrera profesional. Realizó su primera grabación para RGE pasando después a otros sellos como Continental, RCA Victor y Copacabana. Ha grabado 32 discos, 6 de ellos en español y para el año 2006 tenía en su haber más de 10 CD. Ha ganado en su carrera 12 discos de oro. Sus temas más destacados: Cerca de los ojos, lejos del corazón, No me interesa, La enamorada que soñé, Nunca más, entre otras. Su éxito más allá de las fronteras de Brasil ha llegado a países como Canadá, EE.UU, Portugal, África del Sur, Argentina y Colombia. Fuente: https://es.wikipedia.org Canal de José Arcesio en YouTube: https://youtube.com/c/JoseArcesioGuti...

Ozuna -cantante de trap y reggaetón puertorriqueño.



Juan Carlos Ozuna Rosado Nacio en San Juan, el 13 de marzo de 1992 , conocido artísticamente como Ozuna, es un cantante de trap y reggaetón puertorriqueño. Ozuna comenzó a componer canciones a la edad de doce años. En 2014 firmó un contrato de grabación y empezó a publicar sus interpretaciones en YouTube. Al siguiente año, comenzó a ganar popularidad en Latinoamérica por canciones como «Si no te quiere», que tuvo un gran éxito en las radios, y realizó múltiples espectáculos musicales por varios países sudamericanos. Actualmente Ozuna goza de gran aceptación por el público de diferentes partes del mundo. A comienzos de 2016, obtuvo aún mayor atención del público, cuando apareció en el sencillo «La Ocasión», en colaboración con DJ Luian, Mambo Kingz, De La Ghetto, Arcángel y Anuel AA, que alcanzó la número 22 del Hot Latin Songs, y en marzo, Ozuna estrenó un remix de su canción «No Quiere Enamorarse», en colaboración con Daddy Yankee, y fue popular en YouTube. Más tarde, en septiembre, publicó su sencillo «Dile que tú me quieres» e ingresó en las listas de la revista Billboard a fin de año. Se situó en la número 13 de los Hot Latin Songs, su canción más notoria en el listado para ese entonces. Ozuna también tuvo otras dos canciones que entraron en ese listado, «Si no te quiere», con la participación de Arcángel y Farruko, y «En la Intimidad», que alcanzaron las 30 posiciones más populares. Se prevé que su álbum debut aparezca en los mercados musicales en febrero de 2017. Su canción «Te Vas» suma más de 250 millones de visitas en YouTube, siendo su canción más popular en redes sociales. A pesar de su corto tiempo en el género urbano, Ozuna cuenta con un enorme éxito en su carrera musical, sacando canciones que rápidamente se vuelven virales y generan un gran éxito, debido a esto es considerado por muchos personajes importantes del género y por el público en general como el mejor artista y el más exitoso de la nueva generación de cantantes de reggaeton Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Ozuna Canal de José Arcesio en YouTube: https://youtube.com/c/JoseArcesioGuti...

EXPERIMENTACIÓN

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EXPERIMENTACIÓN
Todavía pasaremos algún tiempo en lo que hemos venido llamando 3º Periodo o momento de EXPERIMENTACIÓN. La limitación del espacio con el que contamos nos obliga a dar algunos "saltos" en el proceso de maduración y aprendizaje musical, colocándonos muy rápidamente en ese momento mágico en el que de forma espontánea el niño, que generalmente ya no lo es tanto, ya que se ha convertido en un adolescente al que le gusta “manipular” diferentes timbres instrumentales y buscar fórmulas nuevas de expresión, ya no sigue un modelo establecido, sino que traspasando la línea de las pequeñas improvisaciones sobre modelos dados, buscando el momento crucial de sentirse CREADOR Al principio, de cosas pequeñas, poco ambiciosas, como por ejemplo una sencilla melodía, un obstinato con mayor dificultad técnica, etc. Posteriormente de cosas más comprometidas.
Esta tercera fase o periodo es mucho más sintética, pero del todo apasionante. La aparición de la ARMONÍA como el último de los pilares fundamentales de la música aporta una enorme riqueza al acto creador, y al mismo tiempo le compromete a seguir una serie de leyes, que tendrá que conocer y saber controlar para utilizarla de forma adecuada. Este proceso creativo se desarrolla con mucha más frecuencia y facilidad de la que nos imaginamos, y mucho del interés demostrado se lo podemos achacar al uso de las nuevas tecnologías, por esta razón, la familia y el educador deberán tener muy en cuenta las muchas y diferentes VARIABLES CONTEXTUALES que rodean este importante momento creativo.

Fuente:  Música y Creatividad,
algo más que un lenguaje de
expresión y de comunicación
Texto: Pilar Lago

Dramatización de los Tropos


Dramatización de los Tropos
Con la dramatización de los tropos surge una de las expresiones musicales más importantes de la época, que es el Drama Litúrgico o drama religioso medieval 70 , género escénico de cuño religioso-popular de los siglos X y XI, que se extiende hasta mediados del siglo XVI. A su vez el drama litúrgico, que era cantado casi siempre en latín, es uno de los géneros precursores de la ópera .
Uno de los dramas más significativos de ese entonces es el llamado Juego de Daniel` representado hacia 1250 con acompañamiento de gran cantidad de cuerdas y que se refiere a la vida del profeta Daniel, así como la Historia de Adán y Eva (Jeu d'Adan et Eve) que exigía tres grupos instrumentales diferentes 72 : el órgano regal para el cielo, las violas, las cítaras, las flautas y las trompetas para la
tierra, así como diversos instrumentos de percusión para el infierno . . . etc . Téngase presente que los instrumentos, inclusive el órgano, se consideraban parte integrante de la vida profana, de ahí que se encuentren en las diferentes manifestaciones de la vida privada, en el teatro, en las fiestas paganas y populares pero nunca en la Iglesia que prohibía el uso de ellos en sus ceremonias limitando su expresión musical, sean salmos, antífonas, himnos, aleluyas o cánticos en general, a la exclusiva intervención de las voces . Habrá que esperar todavía que
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70) Como es en España el conocido Canto de la Sibila de cuño totalmente castellano, o el célebre tropo dramatizado ¿ uern uaerítis in Sepulcro? del siglo X en el que participan tres mujeres y un ángel, que se cantaba en la misa de Pascua de Resurrección antes del introito . Los dramas de Pascua de Resurrección y Navidad fueron los más representados por toda Europa .
71) La palabra juego debe interpretarse como representación o ejecución tal corno sucede con el francés y el inglés.
72) Ver La Orquesta, de L . Aubert y M. Landowski, Edit . Universitaria de Buenos Aires, Argentina, 1959, pag . 13 .
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el órgano vuelva de Bizancio, donde los emperadores, después de perfeccionarlo 73 , lo introdujeron en las grandes ceremonias de la corte, para que logre la aceptación de las autoridades eclesiásticas, lo que tendrá lugar sólo en el siglo IX.


Fuente:  JAIME INGRAM JAÉN

2º periodo: IMPROVISACIÓN

2º periodo: IMPROVISACIÓN
Poco a poco nos vamos acercando a un segundo momento o 2º Periodo que definimos con el nombre de periodo de IMPROVISACIÓN. No resulta muy fácil concretar en qué momento el niño deja de imitar para hacer pequeñas aportaciones, en cualquier caso y como ya hemos comentado anteriormente, si que podemos hablar de la adquisición de cierto entrenamiento, que le permite disponer de una mayor autonomía musical, tanto individual como grupal. Esta autonomía no aparece en todos lo niños o personas a la misma edad, ni en el mismo momento de desarrollo evolutivo. En este punto, conviene recordar de nuevo las sabias palabras de Kodály (1974, p.231)17 cuando mencionaba a: “aquellos niños que tuviesen la fortuna de contar desde antes de su nacimiento con una buena o al menos alguna formación musical, ya que éstos serían los primeros en romper las ataduras del MODELO dado por el profesor, y se lanzarían con mayor fuerza hacia el mundo mágico del "a ver qué pasa".
Por supuesto, los padres y educadores de este tipo de niños suelen ser personas muy preocupadas y ocupadas en esta importante tarea, trabajando en muchos momentos de forma conjunta, y no coartando las respuestas espontáneas de los niños, sino estimulándolas siempre dentro de un orden y el respeto que se puede establecer en un aprendizaje musical creativo, lógico, ordenado y sereno. A este segundo nivel, también lo conocemos como un momento más analítico, ya que poco a poco se van perfilando algunos de los elementos más importantes del Lenguaje Musical, por ejemplo comenzamos a concretar la idea de TIMBRE, RITMO, MELODÍA, etc., herramientas básicas con las que irá llenando de contenido y de manera progresiva el ambicioso saco de su PEQUEÑA APORTACIÓN CRETIVA.

Fuente:  www.prodiemus.com

La creatividad musical en las diferentes etapas del desarrollo

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La creatividad musical en las diferentes etapas del desarrollo
Fridman (1988 p.66)13 en una de sus más importantes investigaciones demuestra que: “después de los seis meses, el bebé puede emitir respuestas de tipo musical, como resultado de un estímulo que el medio le brinde. Hasta esta fecha hemos observado como M (inicial del niño investigado), a los pocos días de nacer reacciona frente a los ruidos y a los sonidos, posteriormente, repite o imita sonidos".
Hemsy de Gainza (1998, p.79)14 afirma que: “el bebé, antes de expresarse con palabras, lo hace con sonidos; mientras comienza a ejercitar desde muy temprano el aparato de fonación, ya se encuentra archivando activamente, a través de la audición, un idioma constituido por una diversidad de fonemas y estructuras idiomáticas”. Si se nos permite una aportación personal a esta precisa experiencia, nos gustaría añadir que, como hemos visto a lo largo de estas páginas, lo primero que hace el niño antes de nacer es moverse y comunicarse con la madre a través de este maravilloso medio. Muchas de las mujeres que hemos tenido la fortuna de sentir ese extraordinario fenómeno podemos decir que, hemos vivido una experiencia de comunicación no verbal con nuestro hijo, comunicación que hemos de saber cuidar y mantener también después de su nacimiento.
5. La creatividad musical en las diferentes etapas del desarrollo
Para que este desarrollo se realice de manera cuidadosa y serena, debemos conocer y seguir de forma ordenada la evolución de los diferentes momentos o etapas por las que el niño o toda persona debe pasar hasta completar el proceso de creatividad musical, y son las siguientes Lago (2003, p.76)15:
1r periodo:  IMITACIÓN
Aparece un primer periodo que llamamos de IMITACIÓN. Como ya hemos señalado anteriormente, en todo aprendizaje aparece un primer momento o encuentro que definimos como ETAPA IMITATIVA. El eminente psiquiatra infantil Ajuriaguerra (1978, p. 41)16 decía que: "el niño desde los brazos de la madre, en contacto piel a piel con ella, se convertían para el niño en calor y voz". Desde esos preciosos momentos, hemos llamado mueca o sonrisa a lo que no era más que EL GESTO IMITATIVO del niño, reflejo de su madre o de la figura sustituta".
En los primeros momentos de su escolarización en la Guardería o Escuela Infantil (2-3 años), este primer periodo puede aparecer de una forma oscura, y vagamente diferenciada del modelo establecido, ya que el niño repite casi de forma constante los ejemplos recibidos a través de las profesoras o cuidadoras. Puede que de manera muy aislada, aparezca algún niño que nos demuestre su capacidad natural de inventar, de romper pequeños moldes más o menos establecidos, y sin saber muy bien cómo, comience a aportar algo espontáneo y distinto, es decir, algo no intelectualizado, por ejemplo un movimiento diferente, un gesto distinto, un sonido peculiar al propuesto, etc. Cuidar por parte del educador y los padres estas primeras y pequeñas iniciativas, nos acercaría a las primeras manifestaciones del niño en ir hacia lo desconocido, es decir, hacer una pequeña aportación personal dentro de las normas establecidas mediante la actividad lúdica de una canción, un movimiento, un desplazamiento, etc. A esta pequeña iniciativa le podemos comenzar a llamar IMPROVISACIÓN.


Fuente: PRODIEMUS
www.prodiemus.com

El “concierto solista”.

  El “concierto solista”. La invención del concerto a solo se atribuye a Torelli , quien compuso varios de ellos para violín y para trompeta...